Renacer Eléctrico

Europe ya están dando las últimas pinceladas a su nuevo "Bag Of Bones"

2012-03-09T03:21:00.002-08:00

KAIPA - Solo (Decca, 1978)

2012-03-09T02:24:00.004-08:00

Tercer trabajo de esta agrupación sueca de rock progresivo sinfónico de factura bastante cercana al melodismo clásico de grupos como Genesis, Yes, Camel, PFM o Focus. Tras su segundo trabajo Inget Nytt Under Solen, el cual presenta la monumental suite "Skenet Bedrar" (uno de sus platos fuertes en directo), Kaipa empieza a ir penetrando paulatinamente en el mercado internacional a través de una amplia serie de conciertos y la grabación de algunas de las piezas que conformaban dicho álbum cantadas en inglés (con la ayuda de Lars Hoflund). Cuando el grupo parecía que iba a emerger, puesto que sus componentes habían estado comprando nuevo material instrumental relacionado con las últimas tecnologías del momento, el bajista Tomas Eriksson deja el grupo, entrando en su lugar Mats Lindberg. La estructura del grupo cambiará una vez más con la entrada de Mats Löfgren (procedente del grupo de jazz rock Rio Brazzaville) como voz solista, permitiendo así que Lundin se centre exclusivamente en los teclados.

En este álbum, Roine Stolt desarrolla más su faceta como compositor y arreglista, firmando la autoría de la mayoría de las piezas (no en vano tras este LP se separaría del grupo para embarcarse en el proyecto Fantasia, con quienes sacaría dos álbumes, estando el primero de ellos reeditado hoy en CD bajo el título homónimo y adscrito a Roine Stolt en solitario, junto a músicos como los propios Lindberg y Löfgren de Kaipa, o Hasse Bruniusson, percusionista de Samla Mammas Manna y posteriormente de The Flower Kings). Nuevas sonoridades van apareciendo en el discurso musical de Kaipa, acordes con los nuevos tiempos: el funk, el jazz rock, el hard sofisticado de Queen o el pop con armonías corales de Abba no eran ajenas al paisaje sonoro del grupo. Estructuralmente, Kaipa va apostando por formatos de duración más pequeños (los temas más largos no llegan a los ocho minutos), aunque sigue combinando creaciones con desarrollos sinfónicos, interludios instrumentales y diferentes subsecciones, con otros cortes más breves, de carácter melódico más marcado y predominantemente instrumentales. El grupo anduvo trabajando los temas por separado, en diversas secciones grupales (de ahí el nombre del álbum), quedando la composición mayoritariamente en Roine Stolt (cortes 1, 2, 3, 4, 5, 10 y 11) y Hans Lundin (cortes 6, 7, 9 y 8, junto a Ingemar Bergman), mientras que los textos los asume mayoritariamente Löfgren (canciones 2, 4, 10 y 11) y algo Lundin (canciones 6 y 8, junto a Löfgren).

En resumen, este trabajo perfila la tríada clásica del grupo, donde se encuentra su cima creativa (sus tres primeros discos), atisbándose ya lo que será la formación de una banda tan influyente para las nuevas generaciones del estilo como lo serían The Flower Kings. Tras este álbum hubo una gira por diferentes países europeos (Dinamarca, Noruega, Suecia, Finlanda) y el grupo se tomaría un descanso hasta los comienzos de 1979, en el que finalmente Roine Stolt decide separarse del grupo, entrando en su lugar Max Ahman y grabando en 1980 el álbum Händer. Su último trabajo de estudio hasta la nueva formación ya en 2002 sería Nattdjurstid de 1982, en donde el único miembro original del grupo resultaría Hans Lundin. Creo que ambas grabaciones aún no están editadas en CD, pero sería interesante que algún día se hiciese.

La edición de Musea Records presenta como bonus tracks versiones en directo de "Visan I Sommaren" y un medley de "En Igelkotts Död" y de "Ömsom Sken", de su anterior álbum (ambos incluidos en el Kaipa Live de la caja editada por Inside Out Music The Decca Years 1973-1978), además de una jam inédita en directo titulada Live In An Elevator y que no aparece en ninguna otra edición.

por Eduardo G. Salueña

"She Kissed Me" de Terence Trent D'Arby

2012-03-09T01:49:00.001-08:00

Aggression, Hypnoside y Steelgar este sábado en Mephisto

2012-03-09T00:05:00.002-08:00

Aggression

Hypnoside

Steelgar

THE STRANGLERS - Giants (EarMusic, 2012)

2012-03-08T05:20:00.003-08:00

Inicialmente conocidos como The Guilford Stranglers, los renombrados Stranglers ya eran suficientemente populares en la escena pub rock británica cuando editaron sus primeras canciones de manera oficial en 1977. Y es que actuar cual teloneros de bandas como Flamin’ Groovies o Ramones se convirtió para ellos en una carta de presentación inmejorable. El título de su primer LP, Rattus Norvegicus, tomado del nombre científico de la rata de alcantarilla, terminaba de cerrar el círculo.

Así, el cuarteto se afanaba en aposentarse en un pop rock bastante oscuro que remaba entre las aguas del punk y la incipiente new wave. Por aquel entonces una de sus mayores influencias era The Doors, tal y como lo demuestran canciones tan rotundas como “Sometimes” o “Princess Of The Streets”, que se apoyan en los destacables teclados de Dave Greenfield, discípulo aventajado de Ray Manzarek. En otras ocasiones juegan a ser una sucursal del power pop de grupos como Blondie, algo que luce fantásticamente bien en temas como “Goodbye Toulouse” o “London Lady”.

En 2012, con más de quince álbumes en su haber, y con una carrera que les ha hecho pisar cuatro décadas diferentes, Giants se presenta como un paso más en su camino. Sin mayores pretensiones. Y es que, todavía siendo difícil hallar piezas icónicas como “No More Heroes”, “Peaches”, “Golden Brown” o “5 Minutes”, es pretérito su talento cuando en este recién estrenado disco compacto se llega a canciones con títulos como “Lowlands”, “Mercury Rising” o “Time Was Once On My Side”. Entonces sí, ya pisas el umbral del hogar añorado. Por no hablar del antes nombrado Greenfield, teclista que sale a relucir con su ingeniosa manera de abordar cada nuevo encuentro sonoro.

Baz Warne, Jean-Jacques Burnel, Dave Greenfield y Jet Black, inagotable baterista de 73 años que en 2007 sufrió una fibrilación auricular, captan en Giants diversas imágenes musicales que lograrían, en cierto modo, resumir tantos y tantos años de carrera. Y es que el oyente puede recurrir aquí igualmente a lo curioso (“Adios”, un tango pop rock en castellano) como al power pop desmelenado y vital en su ritmo (“15 Steps”). Todavía hoy, y tras tanto baqueteo, están hechos unos chavales.

por Andrés Puente y Sergio Guillén

08 de Marzo. Día Internacional de la Mujer

2012-03-08T04:53:00.001-08:00

Dusty Springfield - “Spooky”

Nina Simone - “Backlash Blues”

Suzi Quatro - “Rock Hard”

Pat Benatar - “Fire And Ice”

Sally Oldfield - “Mirrors”

Emmylou Harris - “Save The Last Dance For Me”

The Runaways - “Schooldays”

Maria Callas - “O Mio Babbino Caro”

Kim Wilde - “You Came”

Shania Twain - “Any Man Of Mine”

Bai Bang tocarán en Madrid el sábado 10 de marzo

2012-03-08T00:15:00.002-08:00

Nuestro homenaje a Ronnie Montrose

2012-03-08T00:12:00.001-08:00

El pasado día 3 de marzo nos dejaba el guitarrista Ronnie Montrose que se encontraba aquejado de un cáncer de próstata. Como homenaje a su figura, y en agradecimiento a toda la magnífica e insuperable música que nos ofreció a tantos y tantos melómanos a lo largo del mundo, en Renacer Eléctrico seleccionamos cual despedida tres de las composiciones que le hicieron grande.

Bad Motor Scooter

Space Station #5

I Got The Fire

Bad Habit tributaban a Boston con esta revisión del "More Than A Feeling"

2012-03-08T00:02:00.000-08:00

BAI BANG - Attitude (Avispa / Riverside, 2000)

2012-03-08T00:00:00.002-08:00

Estimado público, qué decir de este discazo. Una verdadera joya para todos los amantes del hard rock norteamericano de los 80 con algunas dosis de melódico. Estos suecos beben de los grandes del género, desde Bon Jovi hasta Danger Danger, pasando por el canadiense Bryan Adams.

Su Attitude es un avión cargado de buen rock que suelta bombazos como "X-Ray Specs", primer corte del álbum donde nos dejan ver su gusto por las bandas con más empuje de los 90, ya que el tema recuerda sorprendentemente a los Gun. "Welcome To The Real World" es un guitarrero medio tiempo donde los buenos coros están a la orden del día. En "Peepin' Tom" y "Rock 'N Roll City" nos envuelven con riffs en la onda de los Mötley Crüe mientras que los estribillos se fijan más en los Kiss del Animalize, sobre todo en el segundo corte de los nombrados.

Los Danger Danger más duros y danzones son la chispa que enciende "Desperado", y "Wild Young And Free" nos devuelve el romanticismo de aquellas tonadas de los primeros Bon Jovi. Pero no quiero terminar mi repaso a las canciones que componen este plástico sin recordar "25 Years Of Rock 'N' Roll"... Hey, is Ace Frehley man!!! Sí, parece increíble pero el vocalista de los Bai Bang, Diddi Kastenholt, casi clava el tono del mismísimo mástil solista de los Kiss. Y en cuanto al sonido de la guitarra de Mikkie al evolucionar por el corte, tres cuartos de lo mismo, pura esencia del Spaceman de trabajos como Trouble Walkin' o Frehley's Comet.

Centrándome en los músicos que componen el combo y en su estilo frente a los instrumentos, hay que resaltar la labor de Mikkie Nilson que mezcla unas composiciones para guitarra de toques melódicos con disparos certeros de buen hard rock. La base rítmica, compuesta por Joacim Sandin y Jonas Langrebo, funciona a las mil maravillas. Y por último, elogiar la garganta de Diddi que nos trasporta a la fiesta del rock and roll. Hell yeah!

por Sergio Guillén

AmaDeux está en marcha, se está cocinando un éxito

2012-03-07T04:53:00.004-08:00

Beatriz Villar y Miguel Lara, ahora conocidos como AmaDeux, ultiman la grabación de su primer disco en Estudios 54. Los productores SPAM (Juan Sueiro y Juan Carlos Molina) comentan que el lanzamiento será en mayo como estaba previsto. El primer videoclip, “The Night Is On Fire”, ya se ha grabado en Tánger por el equipo de Struendo Filmakers. La sesión de fotos ha estado en manos de Alvaro Villarubia.

"Love And Understanding" de Cher

2012-03-07T02:26:00.001-08:00

MEKONG DELTA - Lurking Fear (AFM Records, 2007)

2012-03-07T02:03:00.004-08:00

¡Sapristi! Escalofrío asegurado. No pretendo ser cruel con esta banda, únicamente expreso mi sorpresa al descubrir que uno de los conjuntos más queridos de la escena underground del thrash ochentero y de principios de los 90 regresaba en 2007 con cara lavada. Sinceramente se agradecen estos ejercicios de búsqueda de identidades mejoradas.

Lo cierto es que juntando el talento de los por entonces cuatro miembros de Mekong Delta –cuidado que el ex Helloween Uli Kusch respalda el proyecto tras los parches–, el oyente puede apreciar una figura bien moldeada y cuya estrategia es el ataque frontal. Eso sí, quieren dar de sí el monigote casi desaparecido del techno thrash, por lo que para justificarlo incluyen amaneramientos de power metal que poco o nada hacen por sacar el lado salvaje del conjunto. Leo Szpigiel quisiera revivir sus días en Scanner y dejará paraísos para irse por las ramas. Gracias a experimentaciones instrumentales de gran valía y a la profesionalidad de la apuesta como unidad salen a flote los méritos para grabarse en la memoria.

Bien hacen no ofreciendo lugares comunes, algo que les adelantará en cuanto a oportunidades para noquear al sabio de turno. Un grupo que nuevamente despertaba con ganas desde 2007 y caminó gritando al mundo un mensaje realista. Puede que el segundo alzamiento del thrash metal profetizado a finales de los 90 no sea tan realidad como nos gustaría, pero al menos Mekong Delta tiene arrojo para ascender en la liga.

por Sergio Guillén

Llega la primera Dub Reggae Jam

2012-03-07T01:47:00.003-08:00

Chalart 58

La Kinky Beat

Amparo Sánchez

Se presenta la tienda de camisetas Crowd T-shirt

2012-03-07T01:33:00.002-08:00

Descubre todos sus modelos en Crowd T-shirt

FLYING COLORS - Flying Colors (Music Theories Recordings, 2012)

2012-03-06T04:10:00.002-08:00

No son pocos los profesionales relacionados con este proyecto, la superbanda Flying Colors, que aseguran sentir cual cita a ciegas el poner en marcha esta iniciativa. De hecho, ese primer momento, antes de la entrada de Casey McPherson, con el cuarteto Steve Morse, Dave LaRue, Neal Morse y Mike Portnoy uniéndose, cada uno con su bagaje concreto, con sus ideas a la hora de abrirse a un pop rock sin corsés. Debió ser excitante. Sin embargo, este CD, sobre todo si eres seguidor de la carrera de Neal Morse, tanto con Spock’s Beard como su posterior reinado cual solista, lo que te hace es “sentir en casa”, como dicen en Estados Unidos.

Neal es íntimo compañero en cuanto a fatigas musical se refiere de Portnoy, encontrándose en los discos del primero, en la banda Transatlantic o en el power trio de versiones Morse, Portnoy And George, y siempre despuntando gracias a talentos imparables en su expansión. En Flying Colors, y aunque es McPherson el que lleva el mando de la voz central en gran parte del disco, descubrimos ese gusto por el pop que atesoran tanto el ex Spock’s Beard (no hay que olvidar ese magnífico trabajo de revisiones para InsideOut titulado Cover To Cover) como el ex Dream Theater (uno de los mayores fans de The Beatles en Norteamérica).

Canciones como los siete minutos de “Blue Ocean” o la seudo power ballad progresiva “Kayla”, neto art pop, son manantiales de ideas encauzados por los ríos de una precisión artística poco escuchada en este nuevo siglo. Donde otros aburren con esnobismos, Flying Colors hacen, como bien remarca su nombre, volar los colores de una paleta tamaño XXL. Pueden ejecutar crudos desarrollos cercanos a Muse (“Shoulda Coulda Woulda”) como acordarse de los Fab Four (“Love Is What I’m Waiting For”). Y los que recelan y aún necesitan de su dosis de prog rock, “Infinite Fire” les dejará clavados a la silla. Bravo, así se hace un álbum excelente.

por Sergio Guillén

DMK tributan a Depeche Mode revisando tres de sus clásicos

2012-03-06T02:38:00.002-08:00

"Everything Counts"

Dicken Schrader: Teclado, xilófono, kazoo, pandereta, botella de gaseosa y voz.
Milah Schrader: Flauta dulce, sonajero, carillón y voz.
Korben Schrader: Teclado de juguete, maraca, rallador de queso y voz.
**Música y letra de Martin L. Gore.

"Strangelove"

Dicken Schrader: Teclado, xilófono, pandereta, botella de gaseosa, sonajero, baldecito, tarro de chocolate y voz.
Milah Schrader: Flauta dulce, baldecito, tarro de chocolate y voz.
Korben Schrader: Maraca, maraca de huevito, pista de cochecitos y voz.
**Música y letra de Martin L. Gore.

"Shake The Disease"

Dicken Schrader: Teclado, xilófono, kazoo, pandereta, botella de gaseosa, lata de cerveza y voz.
Milah Schrader: Tijeras y spray.
Korben Schrader: Tarro de chocolate.
**Música y letra de Martin L. Gore.

Tracklist selecto de los CDs reseñados el mes de febrero 2012

2012-03-06T02:29:00.002-08:00

Recopilando en canciones lo analizado en Renacer Eléctrico durante el ya finalizado mes de febrero de 2012, hemos realizado la siguiente lista musical con lo que se puede encontrar de lo tratado en Spotify:

We Come Undone – Beggars & Thieves (We Are The Brokenhearted)
Aurea – Absente H (Vagalume)
Lovely Rita – ATB (Plays Sgt. Pepper)
10 Gramos De Paracetamol – El Cuarto Verde (Narcoiris)
We Make It Look So Easy – Mamas Gun (The Life And Soul)
Madre Naturaleza – Kursk (En Los Brazos Del R&R)
Mi Ejecución – Demiurgo (La Virtud Del Invitado)
Unisonic – Unisonic (Ignition)
Black Train – Philip Sayce (Steamroller)
Tyrannosaur – Stereozone (Power)

Aquí tenéis vuestra particular entrada para esta magnífica sesión de música. Pinchad en el siguiente enlace y dejaos cautivar:
http://open.spotify.com/user/adriangales/playlist/2JZF1SwCKZ0JzXUZnfYxV9

"Last Train To Clarksville" de The Monkees

2012-03-06T01:58:00.001-08:00

Ya está aquí el Planet Babylon Wum Festival

2012-03-06T01:49:00.003-08:00

La Pegatina

Asian Dub Foundation

Bongo Botrako

DEMIURGO: Crear y destruir como metáfora de vivir

2012-03-05T00:05:00.000-08:00

Demiurgo acaban de lanzar su nuevo EP, La Virtud Del Invitado, en el que muestran su excelente estado de forma y se consolidan como una de las propuestas más atractivas del metal nacional. Nos gusta hablar de Demiurgo, ¿pero no es incluso mejor poder hablar con ellos? Veamos lo que los miembros de la banda nos cuentan en la siguiente entrevista.

En más de una página aparecéis catalogados como nu metal. ¿Os sentís cómodos con esta etiqueta? ¿Preferiríais alguna otra?

El tema de la etiqueta nunca nos ha preocupado. Sí es cierto que las primeras maquetas de la banda tenían un sonido nu metal, pero de eso hace ya casi diez años, que no es poco; ahora habrá quien piense que hacemos lo mismo que por aquellos entonces, pero la gente que ha seguido a la banda ha podido ver una clara evolución en nuestras composiciones con respecto a aquellas primeras grabaciones de hace ya dos lustros.

¿Por qué metal? ¿Tenéis algún límite fijado en cuánto a la experimentación con otros géneros musicales?

No, nunca nos hemos puesto un límite ni por arriba ni por abajo; es decir, ni nos asusta que haya partes que suenen a death o partes que suenen pop. Lo de hacer metal es porque sale sin más. Solemos ensayar muchas veces con guitarras acústicas y percusión y te puedo asegurar que no suena nada metal, pero cuando le pones distorsión la cosa cambia, ni a mejor ni a peor; de hecho, el grabar los temas en acústico es una cosa que tenemos en nuestra lista de tareas pendientes y no nos preocupa que no suene a metal.

¿Hay alguna ''filia'' armónica en vuestra música? ¿Algún acorde, escala o sonoridad predilecta? ¿Alguna a evitar? ¿Qué papel juega la teoría musical en vuestra música: os guiáis más por ella o por la intuición?

Pues hemos usado mucho en otras grabaciones la escala dodecafónica, no por sentir predilección hacia esta si no por mera intuición. Al igual que las escalas usadas en estos últimos temas y las modulaciones han salido de manera visceral, no hay una planificación en ese sentido de los temas. Tampoco hay nada que intentemos evitar, sólo buscamos que suene bien y que se genere el tipo de atmósfera que nos gusta sentir en el local.

¿Pretendéis inducir algún estado de ánimo particular en el oyente? ¿Atraviesa la música de Demiurgo algún sentimiento básico?

Pues casualmente en los últimos conciertos hemos tenido algunas personas que nos explicaban que habían experimentado una sensación de “buen rollo” al escuchar algunos temas. Lo que si hemos intentado siempre, tanto con la armonía, la melodía y la letra de las canciones, es que cada uno pudiese hacerla propia y experimentar algo individual, no tratar de imponer una sensación al oyente.

En La Virtud Del Invitado todos los temas giran en torno a una temática vinculada a algún tipo de violencia. ¿Orbitará todo el nuevo álbum en torno a ella?

Es cierto que las letras encierran violencia, una violencia a veces explicita y otras oculta. Esto es algo con lo que nos hemos encontrado a lo largo de toda nuestra discografía. Para estos primeros cuatro temas que presentamos hemos jugado con ese punto de locura que vemos en películas como las de Tarantino en las que podemos ver una escena ultra sangrienta con un tema de soul divertido que canta a la vida. Nos parecía divertido decir que “vamos a romperte todos los huesos” usando una melodía que invita a salir a la calle y disfrutar de un buen día soleado.

Hay una enorme diferencia entre la tónica general de las letras en La Virtud Del Invitado y Los Ancianos Del Zohar: ¿Qué explica este cambio? ¿En qué diríais que habéis evolucionado?

En Los Ancianos Del Zohar estábamos desarrollando una cosmogonía. Hablamos de la creación de un universo. Ahora hemos contado una historia desde cuatro puntos de vista diferentes. Son, como muy bien dices, cosas diferentes. Podría haber sido al revés, pero el destino quiso que lo hiciésemos en este orden.

Demiurgo es el nombre del creador del universo en Platón y habéis dicho que Los Ancianos Del Zohar versa sobre la creación. ¿Es esta una obsesión de la banda? ¿Se plasma esa fascinación por la creación del universo en vuestra creación musical?

Como te he dicho antes, le hemos dedicado nuestro disco mas largo a ese tema. En su día nos llamo tanto la atención como para dedicarle una obra completa. Pero ahora, en este disco, hablamos de otras cosas más cercanas a la destrucción del universo que al génesis. La creación o la destrucción no dejan de ser una metáfora de las vivencias que hemos experimentado durante la composición de los discos y estas no pueden dejar de verse reflejadas en las letras.

Tras ver el videoclip de “Murmullo” me ha quedado la sensación de que hay alguna influencia de Tool en vosotros, pero no tanto en la música misma como en su concepción. ¿Qué papel juegan las influencias en Demiurgo? ¿Cuál es, en última instancia, vuestra concepción musical?

Cualquier banda, artista plástico, literario o de cualquier rama que rompa moldes y ataduras llamará nuestra atención. Tool son en ese sentido, como banda vanguardista, una gran referencia, al igual que Meshuggah, Gojira, Pink Floyd o Avishai Cohen.

por José Luis Vila

Retro playlist marzo 2012

2012-03-05T00:02:00.000-08:00

Aquí os dejamos la nueva Retro Playlist, la que os hará disfrutar en este mes de marzo 2012:

http://open.spotify.com/user/adriangales/playlist/1d37gB2H8HdVu3oQg67dTM

"It Doesn't Matter", nuevo single de Asha

2012-03-05T00:01:00.001-08:00

DESAKATO - Inercia (El Surko, 2012)

2012-03-05T00:00:00.000-08:00

El buen rollo, esa parece ser la inercia de Desakato. Desde Asturias llega un rock estatal con filias provenientes del punk, el hard rock y el folclore astur que interesa primero, sorprende después y se instala permanentemente en el oído más tarde. Lo hace con total seguridad. La seguridad de aquel que sabe que no se irá en un buen tiempo.

Buen rollo el que transmite el videoclip del tema que abre el álbum, “Iceberg”. Rotunda declaración de intenciones tras la enigmática intro, confirmación alegre en cada una de las veces que la banda se alude a sí misma. Desakato es una aventura, una reunión de locos. Histéricos unidos por la música y la amistad. Y aunque el buen rollo es la inercia de Desakato, el desacato es la inercia a la que golpean. Un movimiento de cambio, de lucha: ataque al “borreguismo” y al asentimiento. Justicia o denuncia social son palabras que brotan fácilmente al escuchar este álbum, el espíritu combativo directo y la permanencia en él se constituyen último modo de vida legítimo. Pero no sólo de denuncia vive el que desobedece. Desakato también brinda algunas letras personales vinculadas a su vocación, a la soledad, a encontrar el camino en la vida, a seguir los impulsos al margen del qué dirán y de la presión social.

¿Y mientras? Rock and roll. Riffs clásicos, pentatónicos. Tempo elevado, ritmo galopante, punk subrepticio. Voces rasgadas, discretas, no virtuosas, a veces hardcore pero convincentes. Bien ensambladas, bien producidas. Y qué gaita. ¡Por Dios, qué gaita! Probablemente Desakato quieran mantenerse en el rock más directo, pero esa gaita insufla vida, vida a borbotones. “Al Cuarto Poder” es la muestra más palpable y poderosa de ello. Melodía a los instrumentos, chicos. Sólo un poco, un poquito más de melodía. Música para un cambio de rumbo, de actitud. Otra inercia desde la sinceridad y la amistad. Qué buen álbum.

por José Luis Vila

PLANET X - Quantum (Inside Out, 2007)

2012-03-02T00:42:00.003-08:00

Un lustro después de asombrar al mundo con su álbum MoonBabies y cuando casi nadie lo esperaba, retornaba el proyecto de Derek Sherinian (teclista) y Virgil Donati (baterista) para ofrecernos una dosis más de su magisterio musical. Pues bien, como era de esperar, volvían a dar en la diana.

En Quantum nos encontramos una versión distinta de Planet X. En la formación ya no figura el siempre fantástico Tony MacAlpine, sino que el puesto de guitarrista es ocupado actualmente por Brett Garsed y, en algunos temas, por el mismísimo Allan Holdsworth, verdadera leyenda del jazz fusión. Al parecer Holdsworth fue el guitarrista escogido originalmente para este Quantum, pero finalmente tuvo que apartarse del proyecto. Sea como fuere, en el álbum que nos ocupa podemos disfrutar del excitante progresivo instrumental de estos monstruos de la música. Quantum se configura así como la hipotética banda sonora de un largometraje de ciencia-ficción en la que caben tendencias como el metal, el jazz o el rock sinfónico.

Ni que decir tiene que, obviamente, este CD no es un disco para todos los públicos. Seguramente hay que estar bastante versado en estas lides para poder asimilar todo lo que nos puede ofrecer Quantum, que es mucho y bueno. En cualquier caso, si uno busca un auténtico desafío musical aquí tiene una obra para alucinar en colores. Y no hablo sólo de la evocadora portada del disco.

por Andrés Puente

H.e.a.t. regresan con nuevo CD

2012-03-02T00:14:00.002-08:00

Estos suecos regresan con un nuevo trabajo discográfico llamado Address The Nation y lo hacen con el firme propósito de competir con grandes como Foreigner, Journey, Europe o Bon Jovi. Sin complejos, con buenas canciones y excepcional actitud. Este trabajo ha sido producido por el ganador de un Grammy Tobias Lindell.

Cartel de la gira de Motörhits con las fechas actualizadas

2012-03-02T00:03:00.001-08:00

**Pica en el cartel para verlo más grande.

"Let Me Out" de Electric Mary

2012-03-02T00:02:00.000-08:00

DAKIDARRÍA - ...Utopías Emergentes (Maldito Digital, 2011)

2012-03-02T00:00:00.000-08:00

Los puntos suspensivos que encabezan el título de este álbum tienen un sentido muy claro, y es que ...Utopías Emergentes funciona como una especie de segunda parte de aquel Realidades Alienantes... publicado en marzo de 2010. En ambos casos quien firma estos trabajos es el grupo gallego Dakidarría.

Me ha recordado mucho este CD al último disco de La Raíz, aunque la presente obra no hace gala de tanta riqueza musical como ese magnífico LP. Dakidarría simplemente se limitan a seguir los pasos de bandas como Kortatu, Ska-P o Boikot, sonando alternativamente a cada uno de estos grupos. Eso sí, lo hacen con gracia y arropados por una producción muy buena, aunque en realidad esto ya lo hemos escuchado muchas veces antes. Los títulos de las canciones son suficientemente explicativos respecto a las cuestiones que tratan ("A Mocidade Activa", "Linguas Ceives" o "Polisario Vencerá", por citar tres) y, para qué engañarnos, sus letras no pillan a nadie de sorpresa. Es cierto que quizá ahora tengan más sentido que hace unos años, pero no menos cierto es que estas reivindicaciones suenan a demasiado manidas. Sea como fuere, repito que al menos Dakidarría saben lo que se hacen y lo entregan con total fidelidad a su público potencial.

Mucho ska y algo de punk rock es la fórmula que ofrece ...Utopías Emergentes a lo largo de sus cuarenta minutos de duración. Innovación cero aunque con la calidad suficiente para entretener y propagar su mensaje con solvencia.

por Andrés Puente

Fallece de un paro cardiaco Davy Jones, miembro de The Monkees

2012-03-01T03:29:00.004-08:00

Esta mañana me he levantado con una noticia que me ha descolocado sobremanera, un muy triste suceso acaecido. Ayer, 29 de febrero, y con tan solamente 66 años, un paro cardiaco se llevaba al vocalista y actor de Manchester Davy Jones. Él, parte insustituible del cuarteto norteamericano The Monkees, un tipo que en cada nuevo concierto o aparición parecía más rebosante de salud que nunca, aún con algo de aquella mirada pícara de infante en sus ojos, nos ha abandonado dejando un importante vacío en la escena musical mundial. Hagamos hoy un poco de memoria y pongamos a Jones y al resto de los Monkees en su merecido lugar en la historia de la música.

Con su programa televisivo y discos como The Monkees o More Of The Monkees, Micky Dolenz, Peter Tork, Davy Jones y Michael Nesmith se habían convertido en los niños bonitos de Norteamérica. Creados por Screen Gems Television, tras comprar la idea pensada por Bob Rafelson y Bert Schneider de unos posibles rivales estadounidenses para la beatlemania, The Monkees en un principio resultaron marionetas en manos de la compañía.

Mientras ellos soñaban con poder tener la libertad creativa obtenida por The Fab Four, artistas a los que admiraban –por mucho que se vendiese otra historia en los medios de difusión yanquis–, se las apañaban para poner sus voces sobre canciones compuestas por David Gates, Carole King, Tommy Boyce, Bobby Hart o Neil Diamond, y ejecutadas a los instrumentos por mercenarios de estudio. A Nesmith era al único que se le permitía incluir alguna tonada de su cosecha, debido a su talento como creativo. Pero el poderío en ventas les envalentonaría para pedir lo que les pertenecía, es decir, un LP en el que realmente imprimir su personalidad tanto en letras como en arreglos.

Así, y tras hacerse los actores Dolenz y Jones con las bases en ejecución de varios instrumentos –Peter y Michael eran realmente los músicos del grupo–, se reúnen de febrero a marzo de 1967 para generar la total grabación de Headquarters. Álbum que es el primer intento medianamente psicodélico del cuarteto, una psicodelia siempre entendida como pop que se deja manchar por concepciones básicas en cuanto a lo que ese flower power pueda significar para el sonido como tinte primario. A partir de ahí no pararían y en total, fijándonos en toda su carrera bajo dicho nombre artístico, el cuarteto –que en ocasiones se reducía a trío o únicamente a tándem interpretativo– editaría más de diez LPs de estudio y diversos álbumes en formato CD con rarezas y temas descartados; igualmente se recuperarían con los años grabaciones en directo, se pergeñarían multitud de cajas aniversario y hasta DVDs.

El miércoles falleció una de esas personas especiales a las que merece la pena ponerles el nombre de artista, y siempre con letras mayúsculas. Él, al igual que su compañero de armas y chascarrillos en The Monkees Micky Dolenz, era uno de esos verdaderos entertainers, un showman capaz de robarte una sonrisa y regalarte una canción. Ayer en Stuart (Florida) bajó el telón de una vida para no volver a alzarse, aunque David Thomas Jones seguirá viviendo para nosotros en su música.

por Sergio Guillén

Discos Para Inquietos nº 31 (09 de noviembre de 2010)

2012-03-01T03:20:00.000-08:00

DISCOS PARA INQUIETOS es un espacio radiofónico que busca entre los discos olvidados por las modas y las listas para recuperar tesoros escondidos que satisfagan al melómano de oído inquieto. Se recorre un espacio de tiempo que va de 1950 a la actualidad, cubriéndose todo tipo de estilos musicales.

Miedo (Tino Casal)
Lola López (Dr. Fargo)
The Gallis Pole (Lead Belly)
Broken Mirror (Triumvirat)
Read My Mind (Unruly Child)
Danny Boy (Sam Cooke)
Fade To Grey (Glamour To Kill)
I’m On My Way (The Proclaimers)
Alcohol (The Kinks)
Smoke On The Water (Rock Aid Armenia Band)
Arkansas Traveler (Chet Atkins)
Exploited Barmy Army (The Exploited)
The Saga Begins (Weird Al Yankovic)
Fooling Yourself (The Angry Young Man) (Styx And The Contemporary Youth Orchestra)
Murder By Numbers (The Police)
A Hazy Shade Of Winter (Golpe Al Sueño Americano BSO)

Escúchalo aquí:

O descárgalo en:
http://venusbitestheproject.podomatic.com/entry/2012-03-01T03_29_00-08_00

"At The Hop" de Danny & The Juniors

2012-03-01T02:15:00.000-08:00

DAVID TANGYE AND GRAHAM WRIGHT - How Black Was Our Sabbath (Pan Books, 2005)

2012-03-01T02:08:00.003-08:00

Biografías sobre los británicos Black Sabbath existen unas cuantas, lo mismo que artículos monográficos o reportajes en los que revistas especializadas se sumergen en la extensa discografía del cuarteto para glosarla de una u otra manera. También se pueden leer declaraciones retrospectivas de Ozzy, Tony, Bill o Geezer, al igual que del resto de cantantes e instrumentistas que pasaron por la agrupación... pero, ¿qué tal si abrimos el anecdotario que nos pueden ofrecer dos de los hombres que pertenecieron al equipo de la banda durante sus primeros días en busca del estrellato?

David Tangye y Graham Wright estuvieron con los cuatro hombres de hierro en los 70, compartiendo vivencias, correrías, giras, buenos y malos momentos; es decir, eran parte de su crew oficial. Ellos dos se encargan de narrarnos algunas historias que se quedaron por el camino, curiosidades como aquel concierto escocés en el que los Sabbath casi reciben una tunda por parte de unos granjeros locales o las reacciones del público australiano y norteamericano ante un robusto blues rock primario que, canción tras canción, tomaba cuerpo de elemento metálico. David y Graham lo narran con la familiaridad con la que lo vivieron, como esas personas que trabajaban para los cuatro de Birmingham pero que igualmente compartían con ellos farras y cervezas.

Pan Books es la editora británica que se atreve con esta interesante semblanza sin inhibiciones, con “una desautorizada visión del equipo”, como se subtitula la obra. Un libro que la prestigiosa revista Mojo ya se ha encargado de recomendar y que, por desgracia para muchos, hasta el momento sólo se puede encontrar en inglés. Una obra que no sólo engancha por sus ácidos textos, también por el archivo fotográfico privado de Tangye y Wright junto a Osbourne, Iommi, Ward y Butler. Especialmente recomendado para auténticos coleccionistas del universo Black Sabbath.

por Sergio Guillén

"Wild Youth" de Generation X

2012-02-29T01:03:00.000-08:00

Renacer recomienda... "Renaissance Of The Celtic Harp" de Alan Stivell

2012-02-28T00:43:00.002-08:00

Grupo:

Alan Stivell

Disco:

Renaissance Of The Celtic Harp

Año:

1971

Sello:

Fontana

Formación:

Alan Stivell - Arpa celta.
Gérard Levavsseur - Bajo.
Gérard Salkowsky - Bajo.
Alan Kloatr - Bombarda.
Mig Ar Biz - Bombarda.
Henri Delagarde - Chelo.
Jean Huchot - Chelo.
Manuel Recasens - Chelo.
Jean-Marc Dollez - Bajo doble.
Guy Cascales - Batería.
Yann-Fanch Ar Merdy - Tambores escoceses.
Dan Ar Bras - Guitarra eléctrica.
Gilles Tinayjre - Órgano.
Michel Delaporte - Tabla y percusión.
Gabriel Beauvais - Viola.
Paul Hadjaje - Viola.
Pierre Cheval - Viola.
Stéphane Weiner - Viola.

Tracklist:

1. Ys
2. Marv Pontkalleg
3. Extraits De Manuscrits Gallois: Ap Huw Et Penlyn
4. Eliz Iza
5. Gaeltacht Medley: Caitlin Triall

Pincha aquí y escucha en Spotify el disco Renaissance Of The Celtic Harp

African Norge - Maad (La canción del día)

2012-02-28T00:02:00.000-08:00

Me sitúo ante un quinteto de Milán que con un único LP, editado en 1976, demostró su ingenio y capacidad para acercarse al jazz de fusión o jazz rock. Su debut de hola y adiós contiene un riesgo experimental impepinable, un artefacto de piezas en las que el piano toma cuerpo propio y relevancia supina. Los amantes de la música de Frank Zappa sabrán degustar a la par que valorar el exquisito trabajo de vibráfono que igualmente contenía dicho larga duración. Una piedra preciosa que merece ser redescubierta.

AFRICAN NORGE
Grupo: Maad
Disco: Maad
Año: 1976

"Sus Manos" de Demiurgo

2012-02-28T00:00:00.000-08:00

TRAGICOMI-K: Poetas del nuevo rock

2012-02-27T00:03:00.000-08:00

Con más de diez años de vida, Tragicomi-K se ha convertido en una de las bandas más interesantes del mercado mexicano. Sin embargo, el proyecto surgió en España de la mano de los madrileños Jose Riaza y Miguel Arranz. Ya en México, y más en concreto en Guadalajara, el grupo hallará su perfecto cuartel general desde el que grabar obras musicales de una personalidad incuestionable. Es el propio Riaza el que nos habla de todo ello.

Se dice que la música de Tragicomi-K es mestizaje puro, ¿estás de acuerdo?

No lo creo así. En Tragicomi-K nuestro idioma es el rock, nuestras estructuras nacen de ese genero, incluso cuando componemos un tango flamenco o una balada pop; una vez que partimos del rock como columna vertebral llega la fusión, si es que la hay, con otros géneros.

¿Es El Club De Los Corazones Rotos vuestro mejor disco hasta la fecha?

Sí, tu último trabajo siempre suele ser el mejor. Tragicomi-K, y este oficio en general, es como la escuela: cada vez aprendes más; y si bien uno no elige cuándo escribir la mejor canción, por razones obvias en cada disco cuidas más los aspectos técnicos, lo que hace que sea mejor el último. En el caso de El Club De Los Corazones Rotos creo que hemos logrado tener un óptimo resultado técnico en buenas composiciones que intuyo seguiremos tocando muchos años. Piezas como “Lo Que Ves”, “Me Importas Tú”, "El Club De Los Corazones Rotos", “Mary Jane” y, tal vez, “Hombre Bomba”.

¿Qué razones llevan a un músico español a emigrar a México?

Temeridad e inconsciencia, lo demás me lo ha dado la suerte y el trabajo. También he de decir que salir de tu país es como leer libros, amplía tu óptica del mundo pero sobre todo te emociona y ofrece un refresh a tu vida, dándote así más ganas de trabajar. Todo lo contrario sucede cuando te quedas quieto y te dejas envolver en los círculos viciosos del lugar donde siempre has vivido, alimentando así sus vicios y patrones.

Así como el acento, ¿qué es lo primero que un extranjero absorbe de un país como México?

Más que el acento creo que son los localismos. Después de esto, hay un dicho aquí que lo plasma perfectamente: «o te aclimatas o te aclichingas»; significa que o te adaptas o sufrirás. Aunque hay muchas cosas en común de ambos países, siento que la manera de comunicarse es totalmente diferente; en España estamos acostumbras a llamar a las cosas por su nombre y a hablar sin pelos en la lengua, mientras en México hay que suavizar las palabras, dar más rodeos para pedir algo y ser extremadamente amistoso para evitar que se ofenda el interlocutor. Eso es lo primero que has de aprender si vienes a México. Es como relajarte en el lenguaje.

¿Cómo ves el acento cultural y el modelo empresarial de la música en España desde la distancia?

Como aquí: un círculo vicioso, un monopolio manejado por los mismos; creo que es algo común en muchos países. Yo pertenezco a una banda independiente que ha creado su propia red y sistema de negocios, no conozco ninguna banda que trabaje como Tragicomi-K y me siento lejos de ese modelo en ambos lados del charco.

¿Qué gana un músico profesional tocando su propia música en un país como México y qué exigencias tiene poder conseguirlo?

Realmente yo no he hecho concesiones para poder vivir de esto. He dado muchos tumbos de ritmo en ritmo; excepto música latina creo que he tocado de todo, pero a día de hoy me doy cuenta de que fue un camino necesario para poder “volver a casa” y reconciliarme con el rock, que siempre resultó mi idioma pero que por tanto tópico yo mismo satanicé.

Lo que gana un músico en Tragicomi-K, si te refieres a dinero, es variable, pero uno guarda cuando sabe que vienen tiempos peores y vive con las comodidades del resto de profesionales.

Lo que he aprendido estos años, y creo que me hace trabajar tanto y poder vivir de esto, es básicamente saber lo que somos: un servicio público, payasos que van a divertir a la gente, juglares que cuentan historias que pasaron en la villa de al lado. No somos más que eso y estamos aquí para ellos, para el público, con eso como bandera hemos logrado tener un espectáculo que entretiene, enseña, te hace sentir y te aloca como el buen rock.

“Mary Jane” es una canción en la que reside el espíritu del pop español de los 80. ¿Qué nos cuentas de esta canción y quién es Mary Jane?

Tal vez el pop español sí lo traiga. “Mary Jane” es una letra del amor perfecto, el que nunca se acaba, siempre sorprende y que te da la libertad de no creer que tienes novia; si omites ese yugo mental puedes ser tu mismo y no asustarte del peso de tener una relación en serio. Fue una canción accidental: estábamos haciendo un arreglo de bajo en la canción “De Locos” para que el público pudiera cantar el estribillo en los shows, y fue eso lo que nos llevo a componer “Mary Jane”. Lo peculiar de esto es que casi nunca componemos en los ensayos, tal vez sólo ha sucedido unas cinco veces en doce años de vida de Tragicomi-K. Normalmente suelo componer en soledad y ya luego sacar la canción con el grupo y ver en qué se convierte. Uno no puede componer con el ruido de un ensayo, siento que pervierte la paz y afecta a todo.

En el disco, hay canciones que podrían estar englobadas en muchos estilos, pero de alguna manera se conectan por un denominador común. ¿Sabrías decirnos cuál?

Imagino que es el espíritu de un único compositor que, aunque hable de diferentes temas, mira por el mismo telescopio nuevo. Mi cariño a ciertas armonías y el estilo letrístico, aunque realmente nunca pienso en esa coherencia supongo que sale natural.

¿No te ha dado nunca por escribir un libro? Lo digo porque las letras de las canciones son un plus de calidad y te descubren como un aventajado esgrimista del verbo.

Hombre, gracias. Cuido las letras porque creo que si tienes la oportunidad de conseguir un espacio en los oídos de la gente para decir algo, es absurdo no decir nada. Respecto a la literatura, he comenzado un libro de historias cortas, de reflexiones que llevará por titulo Yo Sí Creo En El Sueño Americano y me gusta la idea, pero ahora estoy completamente volcado en Tragicomi-K. Ya sabes eso de que quien mucho abarca poco aprieta.

Sin pelos en la lengua y con honestidad, ¿qué es lo mejor y lo peor de México?

Lo mejor de México es que es un país repleto de abundancia, calidez y gente estupenda, es mi casa. Lo peor es la violencia que asusta, la corrupción y el no poder decir a alguien la verdad porque hieres sus sentimientos.

por The Flying Dutchman

"Hollywood Tease" de Girl

2012-02-27T00:01:00.000-08:00

PRIMA DONNA + STAR MAFIA BOY (Wurlitzer Ballroom, Madrid, 24/02/2012)

2012-02-27T00:00:00.000-08:00

Tras una noche de viernes de lujurioso glam rock, Renacer Eléctrico os ofrece el reportaje fotográfico realizado por nuestra compañera África Paredes.

STAR MAFIA BOY

Mafia Boy frente a su público.

Javi Ramone y su bajo, perfecta espina dorsal rítmica.

Megabullet Juanan, un baterista imparable.

Todos a una por el glam punk.

PRIMA DONNA

Kevin Preston respalda a Aaron Minton y su saxo.

Preston preparando su salto desde el bombo, mientras Erik Arcane mantiene el riff a las seis cuerdas.

David S. Field totalmente desmelenado.

Kevin Preston contra la batería Ludwig.

UNISONIC - Ignition (Ear Music, 2012)

2012-02-24T04:35:00.002-08:00

Hace casi ya dos años que se puso en marcha el proyecto Unisonic, uno de esos supergrupos destinados a brillar en el panorama metálico europeo. Aunque, no me ando por las ramas, si esta apuesta ha llamado la atención de los amantes del heavy ochentas es debido a que en sus filas se reencuentran dos antiguos compañeros de viaje en la calabaza metalizada. Me refiero a la banda Helloween, por supuesto, y los artistas en cuestión son el guitarrista y cantante Kai Hansen y el vocal Michael Kiske. Sin embargo, en este quinteto firma también un hombre sin el que el resultado no sería el que es ni tampoco alcanzaría las cotas de excelencia que ya adelanta; ese instrumentista y productor no es otro que Dennis Ward.

Mientras estamos haciendo hueco en nuestros estantes caseros para el debut homónimo de estos figuras respaldados por la casa Ear Music/Edel, nos llega un adelanto en forma de mini álbum y con el significativo título de Ignition. En el mismo descubrimos el tema que pone nombre a la banda, un sencillo perfecto de algo más de tres minutos que nos retrotrae a la etapa más comercial a la par que efectiva de Helloween, con un metal directo pero fácil de digerir. Sin embargo, “My Sanctuary” es puro Dennis Ward, musicalmente hablando –los desarrollos instrumentales aquí están compuestos a pachas con Hansen–; y es que el bajista se lleva a la banda al terreno del hard rock robusto de impecables estribillos que popularizase desde 1989 con Pink Cream 69.

El resto del CD se completa con dos piezas más: la versión demo de “Souls Alive” y un recuerdo en directo al ya himno del metal teutón “I Want Out” (Helloween). Un aperitivo delicioso en el que se saborea de sorprendente manera la dupla que forma Kai con el virtuoso guitarrista Mandy Meyer (ex Asia, ex Krokus y, ante todo, ex Gotthard).

por Sergio Guillén

"Ain't We Funkin' Now" de The Brothers Johnson

2012-02-24T04:13:00.000-08:00

DEMIURGO - La Virtud Del Invitado (Autoeditado, 2012)

2012-02-24T00:00:00.000-08:00

Después de tres años, y tras el apasionante Los Ancianos Del Zohar, Demiurgo vuelven a la carga. Su nuevo EP, La Virtud Del Invitado, es la primera de las tres partes que compondrán su último trabajo, que verá la luz a lo largo de 2012 y 2013. No podemos esperar al siguiente EP de los granadinos. Un momento, ¿he dicho ya que no podemos esperar? Creo que sí, disculpadme. Pero es lógico que insista, uno quiere que sus oídos sigan siendo obsequiados por una de las propuestas más atractivas del panorama metálico español.

Ritmos sincopados, riffs potentes y ultra pesados, voces limpias y hardcore, disonancias aquí y allá. Algún compás cabrón. Demiurgo exhiben sus recursos y los esparcen por estos apenas veinte minutos de EP con soltura y grácil gesto al tiempo que exploran la sordidez más retorcida en algunas de sus letras (''Vamos a romperte todos los huesos/vamos a destrozar toda tu vida''). Cortes que piden más, que crecen con cada escucha, que saben a mucho, pero que lamentablemente acaban pronto. Que tienen la virtud de invitar. Y es ésta una invitación algo más que metafórica, porque, para el que no lo sepa, los álbumes de Demiurgo se pueden descargar totalmente gratis en su página Web. Buena música gratis, ¿qué más se puede pedir? Que vengan a tocar a nuestra ciudad, que la quemen, que nos ejecuten con su directo, que nos disparen, que hagan temblar nuestras manos. Nuestros oídos quieren sangre.

Demiurgo era el artesano platónico, para algunos el propio Dios, que con los ojos fijos en el modelo eterno de lo bello daba forma al mundo. ¿Le gustaría a Platón este metal, por momentos reminiscente a Tool, pero con personalidad propia? Yo digo que sí. ¿Túnica griega y headbanging a contratiempo en compás 5/4? Eso no puede fallar en un directo. Que se preparen en el mundo de las Ideas.

por José Luis Vila

"Miss Tokyo" de The Pauls

2012-02-23T00:01:00.000-08:00

Noche de glam rock el 24 de febrero en Madrid: Prima Donna y Star Mafia Boy

2012-02-23T00:00:00.000-08:00

Prima Donna

Star Mafia Boy

Renato Sabrosone - Secta Sònica (La canción del día)

2012-02-22T00:06:00.000-08:00

Tres mástiles, tres guitarristas, triada característica y llamativa que marcaría el proceder de Secta Sònica. Primero fueron Secta De La Sabiduría Estelar y, en gran medida, condicho nombre se definía su camino en la disciplina musical. Gato Pérez, antes de pasarse a dar una segunda juventud a la rumba catalana, tocaría el bajo en esta agrupación. Empezarían con Fred Pedralbes, un trabajo de rock poderoso, lleno de vigor, para al poco ya estarle buscando las cosquillas al jazz eléctrico de un, por ejemplo, Chick Corea.

RENATO SABROSONE
Grupo: Secta Sònica
Disco: Fred Pedralbes
Año: 1976

Todo sobre Flying Colors, el supergrupo de art pop formado por Steve Morse, Casey McPherson, Neal Morse, Dave LaRue y Mike Portnoy

2012-02-22T00:03:00.000-08:00

Dikers presentan "Corazón De Trapo", nuevo videoclip del CD "Casi Nunca Llueve"

2012-02-22T00:01:00.000-08:00

PHILIP SAYCE - Steamroller (Provogue, 2012)

2012-02-22T00:00:00.000-08:00

Hace unos meses teníamos la oportunidad de disfrutar con Ruby Electric, una suerte de preludio para lo que es, ahora sí, el nuevo LP de estudio del guitarrista y cantante Philip Sayce. Pues bien, lo que en el citado álbum eran promesas contrastadas en Steamroller son realidades sorprendentes.

El presente artefacto sonoro resulta un sincero tributo al rock de los 70. Ya la portada lo anuncia con su inspiración psicodélica, aunque no precisamente música psicodélica es lo que vamos a encontrar en este trabajo. Led Zeppelin y Black Sabbath son nombres que saltan cual resortes mientras uno escucha este CD, aunque sería demasiado simplificar catalogar a Philip Sayce como mero seguidor de estas luminarias del rock. Todo debido a los arranques soul/funk a lo Glenn Hughes que se pega el artista cuando afronta canciones como "Stung By A Woman" o "Beautiful", minutos que contrastan con joyas preciosistas como "Marigold" y "Holding On" (a lo Stone Temple Pilots y Pearl Jam en sus momentos más sentimentales y relajados). Todo ello revestido por una producción nítida y nada recargada que permite disfrutar con total comodidad de esta obra.

Steamroller es, ni más ni menos, un disco de inspiración retro aunque perfectamente trasladado a nuestros días. Hasta la duración del álbum nos transporta a aquellos míticos elepés que, con sus 35-40 minutos, te dejaban con la miel en los labios y la sensación de querer volver a escucharlos. Sensacional trabajo.

por Andrés Puente

"Elizabeth" de Ghost interpretada en el Hellfest 2011

2012-02-21T02:35:00.001-08:00

ÀLEX GÓMEZ-FONT - Barcelona, Del Rock Progresivo A La Música Layetana Y Zeleste (Editorial Milenio, 2012)

2012-02-21T00:24:00.003-08:00

Desde Hijos Del Agobio. Guía Del Rock Progresivo Español (1999) hasta Enciclopedia De La Música Progresiva En España (2007), pasando por el añorado fanzine El Mellotron o ese maravilloso Psicodelia, Hippies Y Underground En España (1965-1980) (2006); y sin olvidar la obra de referencia, tanto del progresivo patrio como del extranjero, Radiografía Del Rock Experimental (enciclopedia en dos tomos editados por la editorial Castellarte, el primero de 2006 y el segundo de 2009). Muchos son los trabajos por los que, durante los últimos trece años, se ha tratado en nuestro país la evolución y hegemonía del rock sinfónico y progresivo mundial. Esto ha coincidido con una podríamos llamarla tercera juventud del género, tercera oleada tras el nacimiento del progresivo clásico en el cambio de los 60 a los 70 en el siglo pasado o la posterior generación ochentas del neo prog y el metal progresivo.

En la actualidad no sólo se escriben reseñas, artículos o guías sobre lo que edita Unicorn Digital, Musea o Mylodon Records, ya que igualmente se bucea en el pasado del movimiento para hallar unas mágicas raíces de las que partieron las ideas más evolutivas imaginables para aquellos tiempos. Àlex Gómez-Font, de la mano de la editora Milenio, hace una magnífica semblanza, perfectamente documentada y cuya investigación es totalmente satisfactoria, de la Barcelona más contracultural gracias al libro Barcelona, Del Rock Progresivo A La Música Layetana Y Zeleste. El autor presenta un análisis histórico y social de nuestro país para enmarcar a unos artistas que lograron zafarse de todo ese color gris que quería acabar con las ansias de libertad de la juventud, músicos dispuestos a todo por trazar una nueva senda para los sonidos más innovadores.

Así viajarás de los primeros conjuntos de rock and roll barcelonés a la aparición del rock progresivo catalán, pasando por la Nova Cançó, el descubrimiento del LSD en la piel de toro o el florecer de festivales como el ya legendario primer Canet Rock. Tampoco faltará el espacio necesario y, por supuesto, obligado para narrar la vida de una sala fundamental en la historia de este país como lo fue Zeleste. Así ante tus ojos pasarán bandas como OM, Crac, Pan Y Regaliz, Iceberg, Màquina!, Ia i Batiste, Fusioon o Estratagema, por citar unas cuantas de una inmensa lista. Ciento noventa y dos páginas para rememorar a una generación de soñadores que todos los melómanos deberíamos tener siempre presente.

por Sergio Guillén

Discos Para Inquietos nº 30 (26 de octubre de 2010)

2012-02-21T00:10:00.003-08:00

Run Run Run (Gyllene Tider)
Imágenes (Azul Y Negro)
You’re Breathin’ It (David Lee Roth)
Here In The Dark (T-Bone Walker)
Mother's Little Helper (Tesla)
Had Me A Real Good Time (Faces)
This Means War (AC/DC)
Blues With A Feeling (Little Walter)
(Come Away) Melinda (UFO)
Goodbye Miss Tokyo (The Pauls)
Play With Fire And You´ll Get Burned (Los Bravos)
Killers (Iron Maiden)
Eve Of The War (Jeff Wayne)
El Fantasma De La Autopista (Ilegales)
Satana S.A. (Almodóvar y McNamara)
Love Song For A Vampire (Annie Lennox)

Escúchalo aquí:

O descárgalo en:
http://venusbitestheproject.podomatic.com/entry/2012-02-20T23_38_24-08_00

Portadas para el recuerdo: THE ROLLING STONES - Their Satanic Majesties Request (1967)

2012-02-21T00:01:00.000-08:00

Autor: Michael Cooper

La Broma Negra tocará el próximo día 23 en la madrileña sala Taboo

2012-02-21T00:00:00.000-08:00

Nos deja el guitarrista Enrique Sierra

2012-02-20T00:08:00.000-08:00

Enrique Sierra, guitarrista y pieza fundamental en grupos como Kaka De Luxe o Radio Futura, falleció tras una larga enfermedad renal en Madrid el pasado viernes 17 a los 55 años de edad. Hoy en Renacer Eléctrico le hacemos nuestro particular homenaje recuperando cinco piezas grabadas con los hermanos Auserón.

Escuela De Calor

Veneno En La Piel

Corazón De Tiza

A Cara O Cruz

Interferencias

ARKGABRIEL: Power metal nacional para nuevas generaciones

2012-02-20T00:06:00.000-08:00

«Hubo una época en la que el power metal español gozó de cierto auge gracias a los primeros discos de grupos como Avalanch, Ankhara, Tierra Santa o WarCry. De aquel reverdecer poco queda ya, aunque todavía nacen bandas ilusionadas por volver a aquellos años», escribía nuestro compañero Andrés Puente al iniciar su análisis al primer CD oficial de Arkgabriel. Y es que este conjunto nacional es de esos combos deseosos de volver a ver crecer dichas hierbas metalizadas, y aquí nos narran la correcta forma de hacer su tan particular siembra.

¿De dónde sale Arkgabriel?

Tito: Arkgabriel surge en un principio de una banda de versiones que con el tiempo decide componer sus propios temas. En un inicio el estilo de la formación era una mezcla heavy con ciertos matices thrash. Debido a la salida de los dos guitarras hace un año y medio, Juanky (cantante), Jose (bajo) y Tito (batería) deciden encaminar el estilo hacia unos tintes más melódicos con la incorporación de Gis (guitarra) y Javier (teclados).

Os autoproducís... ¿No está el mercado de sellos discográficos abierto a nuevas propuestas de metal con talento y cosas que decir?

Jose: Realmente decidimos autoproducirnos porque el esfuerzo en grabar una maqueta, moverla por sellos y esperar respuesta iba a ser el mismo que hacer todo el trabajo nosotros; además, no teníamos ninguna garantía de que le interesara a algún sello, así que nos decidimos a lanzarnos a la aventura, con nuestros aciertos y nuestros fallos de los que esperamos aprender para un posible segundo álbum. Una vez realizado el trabajo tampoco se ha puesto nadie en contacto de momento para interesarse por nuestra situación contractual, por lo que así seguiremos de momento.

¿Cómo surgió la idea de hacer ese concierto en acústico en plena calle Preciados el pasado 4 de enero? ¿Tuvisteis algún problema de permisos y demás para poder actuar a la par que vender vuestro álbum en la calle?

Gis: Surgió en una reunión con Lorenzo de Top Artist Promotion. Estábamos hablando de hacer alguna cosa un poco fuera de la normal, y alguien dijo: «¿A que no hay cojones para ir a tocar a Preciados?». Y mira, al final tocamos. Ha sido una experiencia interesante y no me importaría repetir. Es una manera más para intentar que nuestra música llegue a la gente... y esa gente se lo paso muy bien.

En vuestro Facebook aparece un texto describiendo el sonido de Arkgabriel en el que se lee lo siguiente: «Imagina una mezcla entre Stratovarius, Symphony X, Gamma Ray o Helloween». ¿Estas referencias son buscadas o el estilo de la banda ha terminado encontrando nexos de unión con ellas gracias al evolucionar de vuestro devenir en la escena?

Juanky: Pues como bien dices todo ha sido una evolución. En ningún momento hemos buscado parecernos a alguien o establecer similitudes de algún tipo. Nuestro guitarrista Gis es holandés y al teclista le gustan mucho estos grupos que me comentas, tal vez la forma de ejecutar de ambos es lo que en algún momento puede aproximar nuestro estilo. Desde mi punto de vista considero que hay una gran mezcolanza musical en cada tema del disco y que, dejando de lado las comparaciones, creo que tenemos un sonido muy fresco, personal y propio.

¿Qué creéis que posee el registro de voz de Juanky Álvarez, y las tesituras que con el mismo puede alcanzar, para dar un toque extra y especial al resultado final del conjunto?

Javi: Te cuento. Yo, antes de entrar en Arkgabriel, he estado en otras bandas y jamás he tenido el privilegio de dar con cantantes de la talla de Juanky. Es un vocalista bastante completo, que sabe transmitir desde furia, rabia y fuerza en temas más heavy y hasta puede hacer llorar a aquel que se considere más frío o menos sentimental. Gracias a Juanky, hemos podido ponerle la guinda al pastel. Creo que todos en conjunto, ya no sólo destacando la labor de Juanky a la voz, sino subrayando a los cinco miembros que formamos Arkgabriel, creamos un equilibrio entre todos y todos nos entendemos y nos compenetramos tan bien, que hace de este disco un trabajo redondo y muy especial para nosotros.

¿Cómo definiríais en núcleo del que sale este álbum? ¿Dónde reside la idea base o central de su concepto final?

Juanky: Comenzamos nuestra andadura en verano del 2008 y en los primeros meses del año pasado sentimos la necesidad de dar un paso más, un paso que es muy importante en toda banda. GRABAR UN DISCO, así con mayúsculas, nada de maquetas o demos, puesto que la mayoría de los del grupo andamos ya mayores –aunque no se nos nota, ¿verdad?– como para empezar con los entrantes. (Risas) Así que nos metimos con el plato fuerte aprovechando la experiencia que cada uno de nosotros ha ido adquiriendo en otras bandas y en procesos de grabación con las mismas. Sabíamos cómo hacerlo, teníamos nuestros propios medios, solo hemos necesitado tiempo y dedicación.

Descartando la música, ¿halláis inspiración en otras disciplinas relacionadas con la cultura para conformar vuestro alegato sónico?

Jose: Quizá sobre todo en la literatura, intentamos cuidar las letras lo mejor posible dentro de nuestras limitaciones. En mi caso, me gusta mucho Bécquer, William Blake, Baudelaire, Poe o Novalis. Luego, cualquier situación personal, momentos positivos o negativos de nuestra existencia sirven para inspirar una letra o una canción.

Trabajáis la promoción con una empresa que es ya uno de los nombres puntales del management. Me refiero a Top Artist Promotion. ¿Qué habéis encontrado en el trato que se ofrece desde dicha casa que lo hace tan apetecible para tantos y tantos grupos, ya sean patrios como internacionales?

Gis: Estamos muy contentos con Lorenzo. Desde el primer momento nos ha demostrado ser un gran profesional y estar entregado a la música. Creo que desde el primer momento que nos conocimos hubo muy buen rollo, y aunque llevamos muy poco tiempo con él, ya nos ha enseñado de lo que es capaz siendo una opción muy interesante para grupos de España y del extranjero en cuanto a los servicios de management y promoción.

por Sergio Guillén

FACTOR 19 - Campo De Sueños (Geek Records, 2011)

2012-02-20T00:03:00.000-08:00

Factor 19 tienen una apuesta sencilla en Campo De Sueños: hacer un rock/metal directo. Su centro de gravedad: temas que orbitan en torno a riffs y voz, y que no sobrepasan los cuatro minutos. Su nostálgica influencia: los 80 y los 90. En honor a la verdad, poco más puedo decir de este álbum. No me ha gustado demasiado. Que me perdonen sus autores, pero creo que son demasiados los aspectos que dejan bastante que desear.

El primero: lo poco elaborado de las composiciones, incluso para los estándares del rock and roll más simplificado o el punk. Estos temas no sólo desvelan poco esfuerzo armónico, sino estructural. Las progresiones de acordes, los ritmos, la curva de los riffs, los breaks de batería... todo ha sido escuchado anteriormente. Segundo aspecto: el creativo. No se atisba novedad alguna en estas canciones. Se escuchan de forma clara las deudas hardrockeras una y otra vez, no sólo en las melodías, no sólo en la voz, sino también en todo el color mismo del sonido. Un ejemplo en la guitarra: sobreuso de armónicos y sobreabuso del wha. En cuanto a la fisonomía de los solos: abrupta y ciega. Las melodías se suceden sin apenas coherencia rítmica, y la saturación de notas no esconde el hecho de que se desconoce en cuál de ellas se ha de aterrizar. No hay concepto de resolución. Por último, las letras. Irregulares en la mayor parte de las ocasiones; con mayor frecuencia de la deseada, ramplonas y poco pensadas. Incluso aunque una canción vaya sobre que una tía te pone cachondo en un bar. Se puede y se debe hacer mejor (“niña deja de mirar/tú sabes lo que va a pasar/hay algo que haces palpitar/si lo notas te va a gustar”).

Globalmente el problema es: ¿por qué escuchar a una banda que remite constantemente a otras que la superan? Y aunque fuese una cuestión de homenaje, ¿cómo se justifica la pobreza rítmica y armónica? ¿Qué aportan Factor 19 al panorama musical? Puede también que estemos ante un grupo de directo al que le haya costado entrar en el estudio, no lo ponemos en duda. Pero eso sigue sin explicar el poco cuidado en la composición y las letras. A una formación como esta, que cuenta con la destreza técnica necesaria para hacer buena música, cabe exigirle un mínimo de creatividad e inteligencia, de intuición musical, para poder aplaudir su puesta en escena. Me gustaría hacer esto con Factor 19 y su Campo De Sueños. No puedo.

por José Luis Vila

"The Dragon" de Vangelis

2012-02-20T00:02:00.000-08:00

KURSK - En Los Brazos Del Rock’N’Roll (Producciones Malditas, 2011)

2012-02-20T00:01:00.000-08:00

Tras la publicación del EP Segunda Oportunidad (2008), el quinteto asturiano Kursk presenta su primer trabajo de larga duración. Un disco integrado por once temas de rock directo y contundente en el que destacan sobremanera los dos nuevos integrantes del grupo: la baterista Iris (quien combina su estupenda labor con otros ritmos más sofisticados junto al grupo de pop Enfadados) y el cantante Juanchi (metiéndose plenamente en su papel de frontman y mostrando todo su potencial expresivo). El trío restante –Pables (guitarra), Aisak (bajo) y Divino (guitarra)– también refleja la solidez propiciada por sus abundantes directos, desde que en 2005 grabasen su primera maqueta.

Un aspecto negativo del álbum es la excesiva linealidad en el desarrollo de las composiciones, con bastantes parecidos entre sí (salvo excepciones como “Volverte A Tener”, en las que se alternan secciones más acústicas). Por lo general, las canciones se sostienen sobre riffs de guitarra y ritmos a un medio tiempo acelerado, todo ello muy bien construido. Uno de los mejores ejemplos es “Tu Piel”, muy cuidada en todos los aspectos y con unas armonías muy bien llevadas. En la pieza final, “Cada Día”, colabora el vocalista Daviz (procedente del grupo Mala Reputación).

Recomendado para los amantes del rock urbano más enérgico cantado en español, y que combina la frescura de los grupos actuales con los sonidos más clásicos.

por Eduardo G. Salueña

Venus Bites en el espacio radiofónico L'Altra Cara De La Lluna de COMRàdio

2012-02-17T00:04:00.000-08:00

El nuevo trabajo de Venus Bites, The Loops EP, sigue apareciendo en los medios musicales especializados. En esta ocasión fue el pasado día 11 de febrero en el espacio radiofónico L'Altra Cara De La Lluna, dirigido y presentado por Nando Caballero para COMRàdio. Allí se pudo escuchar, junto a bandas como Peakmood, The Kluba o Bläue, a los electrónicos Venus Bites con su sencillo “4AM Experience”. Aquí os dejamos el corte sonando en el citado programa.

THIN LIZZY (La Riviera, Madrid, 11/02/2012)

2012-02-17T00:02:00.000-08:00

Después de una velada de classic rock incuestionable, trufada con canciones como “Are You Ready”, “Jailbreak”, “Don’t Believe A Word”, “Killer On The Loose”, “Dancing In The Moonlight” o “Massacre”, os traemos a Renacer Eléctrico parte del reportaje fotográfico realizado por África Paredes.

Damon Johnson en una pose de guitar hero total.

Scott Gorham, desparpajo californiano dentro de la leyenda del rock irlandés.

Marco Mendoza, un bajista de gran personalidad y bravura.

Ricky Warwick estuvo en su sitio y brilló frente al micrófono.

Warwick vs. los dos bombos de Downey.

Brian Downey, genio, figura y clase cien por cien.

Darren Wharton despuntó en “Angel Of Death”.

Rey Luy actuará mañana en acústico en la madrileña sala Rockland

2012-02-17T00:00:00.001-08:00

Renacer recomienda... "Once Again" de Barclay James Harvest

2012-02-17T00:00:00.000-08:00

Grupo:

Barclay James Harvest

Disco:

Once Again

Año:

1971

Sello:

Harvest

Formación:

John Lees - Voz y guitarras.
Les Holroyd - Voz, bajo, guitarras y teclados.
Stuart “Woolly” Wolstenholme - Voz, melotrón y teclados.
Mel Pritchard - Batería y percusión.
Músicos adicionales:
The Barclay James Harvest Symphony Orchestra
Líder de la Orchestra - Gavin Wright.
Conductor y director musical - Robert Godfrey.
Alan Parsons - Arpa de boca en “Lady Loves”.

Tracklist:

1. She Said
2. Happy Old World
3. Song for Dying
4. Galadriel
5. Vanessa Simmons
6. Ball And Chain
7. Lady Loves

Pincha aquí y escucha en Spotify el disco Once Again

Grabación DVD Miguel Oñate‏

2012-02-16T03:57:00.001-08:00

"Walks Like A Woman" de Baton Rouge

2012-02-16T00:44:00.000-08:00

JUANAN GARCÍA: Intensidad y fuerza a las baquetas

2012-02-16T00:00:00.000-08:00

El ya pasado mes de mayo de 2011 realizamos un dossier para bateristas del profesional de las baquetas José Manuel Fernández, fundador de Marshall Monroe. En esta ocasión seguimos esa línea para acercarnos a otro músico que últimamente no para de pisar los escenarios de toda España, un instrumentista que remarca su toque militando tras los parches de la batería de Star Mafia Boy. Me refiero a Juan Andrés García Ansejo, más conocido profesionalmente cual Juanan García. Como podréis ver las preguntas técnicas que ya hicimos a Fernández, Luis García o Eva Díaz Toca se repiten aquí para poder sacar una comparativa y comprender en el fondo el estilo que al final posee a cada músico.

¿Qué estilos musicales has tocado a lo largo de estos años como profesional y en cuál te sientes más a gusto o es el que identificas netamente cercano a tu forma de entender la batería?

Los estilos musicales en los que he tocado habitualmente son el pop y el rock. Me encuentro muy cómodo en ambos, ya que considero que lo importante no es el estilo sino el sentirme identificado con lo que hago en un momento concreto; necesito disfrutarlo y me pasa tanto en el pop como en el rock.

El leyenda británica de las baquetas Aynsley Dunbar comentaba en una entrevista de hace unos años que jamás le ha gustado sentirse encorsetado con unas notas en directo, prefiriendo hacer cambios en cada show para notar su evolución. ¿Qué piensas sobre ello?

Cuando toco en directo no soy partidario de hacer cambios en cuanto a la grabación original o de un show a otro, pero todos sabemos que cuando estas en un escenario inconscientemente te transformas y los temas ganan en intensidad y fuerza. Eso se nota. Soy más batería de directo que de estudio.

Tienes un estilo bastante característico, ¿ha surgido con el tiempo o intentaste desde tus comienzos emular las maneras de algún instrumentista reputado?

Te puede parecer que el estilo que tengo tocando ahora es característico, y lo es, pero realmente es el rol que tengo que interpretar con lo que hago para Star Mafia Boy. Me pide que sea así porque él es el creador de los temas y sabe muy bien la manera en la que pueden funcionar; en consecuencia, me pide cosas concretas y yo intento reflejarlo en el estudio, en los ensayos, y creo que funciona bastante bien esa manera de hacerlo. Como es lógico siempre te marca alguien a la hora de tocar e intentas imitarlo y coger los detalles que más te interesan de cada uno, pero creo que todos tenemos algo que aportar en esto y eso intento.

Por cierto, qué opinión tienes sobre el mazo del bombo en cuanto al parche: ¿pegado en el descanso o separado? Hay muchos bateristas que prefieren dejarlo pegado, matando la reverberación pero consiguiendo inmediatez. Para mi gusto puede eliminar demasiados matices, aunque eso depende del estilo que estés ejecutando.

Tienes razón cuando dices que dejando la maza del bombo pegada al parche pierdes esos detalles y matices que se ganan ejecutando el golpe sin dejarlo apoyado. Para mí es complicado dejar la maza libre ya que, con la intensidad y la fuerza que damos a las canciones en directo, me cuesta un poco; pero cuando estudio o toco cosas más relajadas sí que me concentro en buscar el sonido y procuro fijarme en ello, dejando la maza libre.

Siguiendo con el bombo, ¿utilizas con el pie la alternancia de heel up y heel down para simular el efecto del doble pedal en uno?

Esa pregunta es buena... No uso esa técnica por la sencilla razón que todo lo que estoy tocando ahora no requiere de doble bombo, en cambio cuando toco solo o estudio, uso un pedal doble.

En cuanto a composiciones, ¿hay alguna conocida que te costase sacarla más que el resto?

No he tenido problemas con ninguna de las canciones a la hora de grabarlas, si te refieres al último disco de Star Mafia Boy. Además me han ayudado mucho él y el gran Juan Olmos en cuanto a lo que querían en cada momento de la canción.

Regresando a tus días de introducirte en este mundo, y centrándome ahora en los rudimentos para neófitos, ¿cuál ves como ejercicio ideal para terminar sincronizando correctamente y, al mismo tiempo, coger similar velocidad entre la zurda y la diestra? ¿Qué piensas del paradiddle-diddle como complemento evolutivo para principiantes?

Yo creo que lo mejor es buscar ayuda en alguien que te oriente analizando las partes que fallas o en las que andas mejor. He tenido la suerte de aprender con José Bruno, Eduardo Yepes, Dani Pérez, Pedro Cuevas, y cada uno de ellos me ha ayudado en cosas concretas. Pero lo que está claro es que todos coincidieron en los paradiddles para mejorar en conseguir esa coordinación entre ambas manos e incluso aplicándolos en toda la batería.

En cuanto a baquetas, ¿qué grosor utilizas por regla general?

Las baquetas que uso suelen ser Vincent 7A XL o Ahead 7A.

Desvela las técnicas de tus bateristas favoritos, ¿qué técnica característica les hace únicos?

Me gusta mucho en cuanto a técnica Jojo Mayer. Tiene publicado un DVD que se llama Secret Weapons For Modern Drummer y creo que ahí se resume bastante bien todo lo que me interesa en cuanto a técnica: moeller, tradicional, etcétera.

Hablemos ahora de un baterista que siempre me ha parecido un auténtico titán, con un estilo muy elegante y del que pocas veces se habla: el irlandés Brian Downey (Thin Lizzy). ¿Piensas que debería ser pieza clave en la comprensión de la batería de rock?

Creo, desde mi modesta opinión, que hay otros baterías que sí que han sido claves en la manera de entender la batería en el rock; están el gran Bonzo, Ian Paice, Eric Carr o Steve Smith.

¿Hay proyectos a la vista en el campo profesional de forma paralela a Star Mafia Boy?

De momento estoy muy centrado con Star Mafia Boy, es mi prioridad ahora; aunque también colaboro con Nacho Romero, un proyecto de pop rock. Pero como te digo, lo principal ahora mismo es presentar Arkana Cabaret en todos los sitios que podamos y parece que la cosa va bien, ya que están saliendo bastantes conciertos. Estoy muy contento, a gusto, y espero poder seguir con él mucho tiempo.

por Sergio Guillén

"Born To Rock" de Stop, Stop!

2012-02-15T10:37:00.000-08:00

STAR MAFIA BOY - Arkana Cabaret (Vaso Music, 2012)

2012-02-15T05:34:00.002-08:00

Una desaforada armónica acompañada por un rítmico fluir de batería dan comienzo a Arkana Cabaret, el nuevo disco compacto de Star Mafia Boy. Esta introducción, que pronto se ve respaldada por un abrasivo riff de guitarra, es parte de la canción “Reina De Las Calles”, y de paso endiablado movimiento sobre la mesa de ajedrez que consigue el jaque mate, ejercitando una apertura de compuertas para que ese caudaloso canal que es el glam rock nos invada como nunca.

“Más Allá De Los Sueños”, pura explosión, “Corriendo Salvaje” y su rock and roll de sí o sí, canalla y despiadado, “Muñeca Suicida”, de toque sleaze ochentas, o la adrenalina volando por la habitación que se nos escapa por cada uno de nuestros poros escuchando “Aléjate De Mí”, son algunos ejemplos de lo que se te viene encima una vez pulses la tecla del play en tu reproductor casero. Con “2012 Cyber Punk” pone todavía más mala baba, regrabando para la ocasión una de las piezas ya clásicas de Guitar Mafia –y eso que apareció en su último álbum de estudio Rock & Roll Tatuado–; mientras que “Get It On”, su tributo a Turbonegro, les sale de escándalo, algo más glammy y menos garagera que la de los muchachos de Hank Von Helvete –puro sonido y actitud Star Mafia Boy–.

Arkana Cabaret se cierra con un emotivo corte instrumental de menos de dos minutos de duración que lleva por título “El Llanto De Las Valkirias”, grabación dedicada a la memoria de José Adán (Rockbox TV), fallecido el pasado 2011 tras guerrear como un jabato con la leucemia. Un nuevo paso en la carrera de Mafia Boy, un Star Mafia Boy que pretende seguir haciendo honor a su nombre y no dejar nunca de brillar cual astro que es. Electrizante.

por Sergio Guillén

Prometheus publica "1001"

2012-02-15T04:45:00.002-08:00

Hoy se pone a la venta el nuevo trabajo de Prometheus: 1001. El disco se puede adquirir ya a través de Itunes en este enlace:
http://itunes.apple.com/es/preorder/1001/id501618046.
Y a través de la Web del grupo: http://www.prometheusrock.com.

Monográfico Eldorado

2012-02-15T00:00:00.001-08:00

Tras actuar el pasado sábado cual teloneros de Thin Lizzy en su concierto de La Riviera madrileña, hoy traemos a Renacer Eléctrico un compendio de vídeos musicales y actuaciones en directo del conjunto nacional Eldorado. Igualmente recuperamos la reseña que de su CD Dorado realizó en 2009 nuestro compañero Andrés Puente.

Es un gusto y un motivo de alegría ver que todavía quedan en España grupos dispuestos a llevar adelante su propuesta cueste lo que cueste. Y ya si el disco en cuestión es tan bueno como el de este cuarteto, la sensación se materializa en una sonrisa de oreja a oreja.

The House Of The 7 Smokestacks

Nos encontramos ante el segundo CD de esta banda que apuesta por lo que se conoce actualmente en los medios anglosajones como classic rock. Quizá esta definición se revele demasiado esquemática para lo que un grupo como Eldorado ofrece, ya que a veces suenan como The Black Crowes, otras como los últimos Uzzhuaïa e incluso se acercan en ocasiones a lo practicado por W.A.S.P. Desde el comienzo se aprecia un toque de rock setentero que acompañará al disco de manera casi permanente.

Falling Falling

Hablamos de “The House Of The 7 Smokestacks”, un pegadizo tema que combina la escuela añeja con una pátina más moderna en el estribillo y que se ve continuado por “The Rocket Song”, otro festival de riffs. Llama la atención en estos primeros minutos el estilo del vocalista Jesús Trujillo, adecuado tanto para el AOR como para el hard rock al que se acerca Eldorado a veces (caso de “Free (A Chain Reaction)”, por ejemplo).

Free (A Chain Reaction)

La versatilidad de Trujillo queda reflejada en temas como “Atlántico” o “I Don't Need No Doctor”, las dos caras de la misma moneda. Quizá la mejor cualidad del grupo en este trabajo es saber compaginar el rock de raíces con el más actual, algo que se aprecia de manera palmaria en una canción como “Falling, Falling” donde su planteamiento de base recuerda al de grupos como Nickelback o Creed.

I Don't Need No Doctor

Aparte de todo lo comentado, el sonido conseguido por el productor Richard Chycki en Toronto se me antoja el mejor posible para una apuesta de este estilo. Sobrio y al mismo tiempo fresco, y con una batería que, aunque parezca de perogrullo, suena a batería. Sin duda uno de los más redondos discos de rock sin complicaciones hecho en España que he escuchado en mucho tiempo.

Tarot TV

"Babooshka" de Kate Bush

2012-02-14T03:49:00.000-08:00

THE BLACK KEYS - Thickfreakness (Fat Possum, 2003)

2012-02-14T03:39:00.001-08:00

Es indudable que el mundo del rock suele dar algunas vueltas de tuerca que cambian la forma de entender la historia. Sí, ya sé que es en contadas ocasiones; si no fuera así, dónde estaría la gracia. Quiero decir, desde el lado más comercial de la industria, cada mes nace un nuevo estilo, una nueva corriente, una agrupación que está destinada a romper con todo y pegar el salto al otro lado. De todo esto, el noventa por ciento es un astuto juego de venta, una promoción a gran escala, el clásico intento de crear mitos antes de que estos tuvieran tiempo de ganarse los laureles.

El mejor ejemplo lo encontramos en The Strokes, la banda que lidera Julian Casablancas y que se proclamó –no sólo ellos, ya que gran parte de la prensa estaba detrás– como regenerador de una corriente que a finales de los 70 quemaba lo más underground de Nueva York. Esa es la teoría, de acuerdo, pero necesitamos responder antes a una pregunta que no sé si alguien se ha planteado. ¿Dónde está la actitud? Ahora se le llama así a ponerse una corbata deshilachada sobre una camiseta mientras calzas unas deportivas de tela, a intentar ir de dandi incomprendido con dieciocho años. Por favor, cualquier parecido de estas prefabricadas imitaciones con formaciones madres como Blondie, Talking Heads o Velvet Underground es pura casualidad. Aquí está el engaño.

Sin embargo, más apocados, más hundidos en un circuito minoritario, se encontraban las nuevas formaciones que vienen a reinventar el blues, soul y rock de raíz. Esos dúos que se separan de convencionalismos, que refrescan la música a golpe de seis cuerdas y parches, que no tienen miedo a que su sonido sea demasiado crudo como para que la mayoría comercial no les entienda. Bandas como The White Stripes, Soledad Brothers o estos The Black Keys, que no esperaban el aplauso inmediato, ya que su búsqueda va más allá de todo eso. Estos últimos, proyecto formado por Patrick Carney y Dan Auerbach, llegaban a aquel 2003 con las pilas cargadas y dispuestos a demostrar que las críticas positivas conseguidas con su The Big Come Up no fueron por casualidad. Y es que la buena música no entiende de burritos que tocan la flauta y sí de artistas que entregan su alma a sus instrumentos.

Todo esto hace que en Thickfreakness nos choquemos con un compendio de canciones que se balancean entre lo más variado y ecléctico del rock. Su apuesta se mueve dentro de unos parámetros tan amplios que, si escuchas sin prejuicios, podrás encontrar desde gotas de blues hasta disparos al puro estilo de los power trio de los 70. Un álbum que en su conjunto resulta un punto de inflexión que les separa de sus contemporáneos. Dejemos el tema de la imagen para The Strokes, la calidad compositiva ya la ponen The Black Keys.

por Sergio Guillén

FACTOR 19: Más madera, esto es "brutal pop"

2012-02-13T01:40:00.000-08:00

En unos días podréis conocer el análisis que nuestro compañero de Renacer Eléctrico, el redactor José Luis Vila, hace del disco compacto Campo De Sueños de la agrupación Factor 19. Mientras tanto, hoy os ofrecemos una entrevista con el conjunto en la que ya nos ponen sobre la pista de lo que hallaremos en el álbum citado.

¿Por qué esa catalogación de “pop brutal” para vuestro sonido? ¿A quién fue el primero que se le ocurre?

Javi: Pues la verdad es que se le ocurrió a César, uno de los guitarristas. Fue viendo un concierto en las fiestas de Alcorcón; hablando de las innumerables etiquetas que hay hoy en día para calificar los sonidos de cada banda, se le ocurrió lo de “brutal pop” para definir nuestra música, ya que al principio nos nutríamos de grupos de pop rock de los 80 y los versionábamos –pero lo hacíamos a lo bestia–. Claro, esa etiqueta no existía y, bueno… creo que ahora ya existe. Por lo menos hemos inventado algo nuevo en el panorama musical nacional. (Risas)

Tenéis influencias tanto de los 80 como de los 90, ¿cómo lográis sacar vuestro estilo definido con tantas bandas en la cabeza? ¿Cómo deglutís tantas referencias?

Dani: Sí, claro, tenemos influencias de los 80 y 90, pero son diversas en cada miembro. Me explico: yo soy más de hard rock y hardcore americano, y eso se nota en mi forma de tocar la batería; me encantan bandas como Guns N’ Roses, Mötley Crüe o Nofx. Sin embargo, hay otros miembros que son más extremistas, como Javi, al que le encantan los grupos de voces guturales. En cuanto a los guitarristas le engancha Satriani a Paco y Pantera a César. Pienso que también lo plasman a la hora de tocar, tienen cierto regusto a sus ídolos. Luis es el más clásico, un amante del rock sinfónico y de la banda Yes. Toda esta mezcla de sabores ha dado lugar a Factor 19, que no deja de ser un cóctel de influencias particulares y conjuntas de una u otra manera.

No son pocos los que han degustado en “Contra La Pared” ese sabor a lo que convirtieron en norma los miembros de Beethoven R. ¿Hay influencia intencionada o sólo casualidad?

Dani: Cierto es que nos han comparado o, mejor dicho, que algunos temas tienen un regusto a Beethoven R... pero para nada ha sido intencionado, ya que además ninguno de la banda ha sido seguidor de ellos en ningún momento. Los temas salieron así sin tener a esa banda como referencia. Ha sido pura casualidad, la verdad.

En cualquier caso, y aunque en vuestra hoja promocional se cita a Obús y Saratoga, no os importa reinterpretar a vuestra manera “brutal” a, por ejemplo, Hombres G. ¿De dónde sale esa reinvención de voces guturales que ofrecéis al sencillo “Sufre Mamón” en directo?

César: Lo de “Sufre Mamón” lo empezamos a hacer un poco en plan de risa porque nos apetecía hacer algo así. Creo que es algo fuera de lo normal, casi todas las bandas versionan a algún grupo que les mole o que sea de su rollo; pero a nosotros no es que nos guste Hombres G, para nada, pero nos pareció cómico el hacerlo y así lo hicimos, sin más. Luego vimos que tuvo aceptación por la gente en los conciertos y de vez en cuando la seguimos incluyendo en el setlist.

¿Qué valor tiene para vosotros el humor o la crítica ácida dentro de la música?

Javi: Bueno, no pretendemos ser un grupo de humor –para eso ya están los Mojinos–, no es un acto premeditado; pero si en alguna de las letras cae algo que pueda ser gracioso sin pretenderlo y nos gusta como queda, pues adelante. Pero, ya te digo, no somos la clásica banda de hacer humor en nuestras canciones ni críticas ácidas. Factor 19 creemos que hablamos de cosas normales de la vida que a todos nos han pasado alguna vez, y de cosas serias también como la violencia de género. Estos temas sí que no dan ninguna risa.

¿Os parecen útiles las redes sociales, tipo Facebook, para promocionaros y dar a conocer vuestro proyecto? ¿Las utilizáis con asiduidad?

Paco: Sí las usamos, y creemos que es una herramienta muy aprovechable en los tiempos que corren. Tenemos Myspace (www.myspace/factor19brutalpop), Facebook, Reverbnation, etcétera. Todo es poco para poder promocionar al máximo a la banda.

Ricemos el rizo. Campo De Sueños, el CD, posee una portada de un espacio desangelado en medio del bosque, con una bruma iluminada de la que podría salir cualquier cosa. Campo De Sueños también se titulaba un largometraje de 1989 en el que Kevin Costner era protagonista. En él, y al final del mismo, Costner ve como en un campo de béisbol que ha construido se reúnen a jugar los fantasmas de viejas glorias ya fallecidas del citado deporte. ¿Por algún casual existe algún guiño a aquella película? ¿Se esconden espectros tras vuestra bruma?

Dani: No tiene nada que ver con la película de Kevin Costner... La verdad es que ni sabíamos que existía esa peli, por lo menos yo. Hasta que un día leyendo algo de la banda en Internet lo vi y dije: «coño, ya se nos han anticipado». (Risas) Espectros tras la bruma no se si se esconden; si es así, esperemos que sean buenos con nosotros, nos traigan éxitos y nos ayuden a seguir adelante con más fuerza.

Describid en pocas palabras un concierto de Factor 19.

Dani y Javi: Rock and roll, buena música, diversión… ¡Desde luego que indiferencia no!

por Sergio Guillén

MAMAS GUN - The Life And Soul (Edel, 2011)

2012-02-13T00:05:00.000-08:00

¿Para qué sirve un adjetivo? ¿Cuál es la función de dotar de cualidad? ¿No es una puerta, una puerta? ¿Un zapato, un zapato? ¿Una mesa, una mesa? ¿En qué altera un adjetivo a cualquiera de los objetos anteriores? ¿No es acaso inútil, poco funcional, confuso? ¿No nos hemos visto en más de una ocasión bloqueados por no saber qué adjetivo emplear? ¿No es eso cantar? Repito: ¿No es eso cantar? ¿No es cantar no encontrar la palabra? ¿No es cantar perderse en esa inutilidad, cerrar los ojos y no saber absolutamente nada? ¿No es cantar no sólo no tener adjetivo, sino nombre? ¿No es el adjetivo lo contrario al nombre, aquello que lo anula, que lo convierte en música? ¿No es el adjetivo una enorme exclamación, una explosión de vida? ¿Un mero exclamar por exclamar? ¿Una oda al nombre, un cantarle al nombre, un no saber lo que es? Un no. No. No me importa lo que seas. Me importa que seas.

Eso es The Life And Soul. Cantarle a la música. No sólo hacer música, ya que la música no se hace, se vive, y por ello estos británicos no hacen música. Se trata de ponerle música a la música, a la vida. Eso quiere decir The Life And Soul, que bien podría ser The Life And Music. Otro posible título: “We Make It Look So Easy”, el de la tercera pista. Sonidos que hacen recordar que a veces todo es sencillo, demasiado sencillo, tan sencillo que podría volverse complicado. Si no fuera porque es sencillo. Sentir que vivir la música es tan fácil como querer hacerla, como quererla. Quererla por encima de todo. Amarla.

Ocasionalmente puede ser necesario tener una voz prodigiosa como la de A.P. o conocer el sutil y depurado arte, tan escaso en nuestros días, de saber difuminar el estribillo. Pero esto es secundario si se tiene Vida y se tiene Alma. Otro buen título: “The Art”. Otro: “Get A High”. El que tenga oídos que oiga.

¿Que qué tipo de música hacen Mamas Gun? ¿Soul? ¿Funk? ¿Pop? ¿Jazz? ¿Rock? Creía que hablábamos de música, creía que hablábamos de adjetivos, de cantar, de vida. No de nombres.

por José Luis Vila

Muere a los 48 años la cantante Whitney Houston

2012-02-13T00:03:00.000-08:00

Hallada el pasado sábado por su peluquera con la cabeza sumergida bajo el agua en la bañera de su suite del hotel de Los Ángeles donde se hospedaba, se especula con que Whitney Houston pudiera haberse quedado dormida por los efectos de un calmante. Se había desplazado a Los Ángeles para asistir a la gala de los Grammy.

"You Got Nothing I Want" de Cold Chisel

2012-02-13T00:01:00.000-08:00

EL CUARTO VERDE - Narcoiris (Gaser Discos, 2011)

2012-02-13T00:00:00.000-08:00

2005 es el año que ve nacer este cuarteto riojano llamado El Cuarto Verde. Una maqueta en 2006 fue el primer lanzamiento discográfico de esta banda que ahora publica su segundo LP oficial bajo los auspicios del joven sello Gaser Discos.

Narcoiris es un compendio de diez veloces canciones que se pueden encuadrar sin mayores problemas dentro de los dominios del power pop. Esto es, temas de base claramente pop pero interpretados bajo un entorno casi punk. Eso sí, las letras son cualquier cosa menos explícitas, aunque sirven perfectamente al propósito de El Cuarto Verde. El sonido es verdaderamente fantástico, muy guitarrero y al mismo tiempo muy accesible a cualquier tipo de oyente, todo un acierto que trasciende al escuchar canciones como "Mágico Fenoménico", "10 Gramos De Paracetamol" (escogido lógicamente como single del álbum) o la propia "Narcoiris". No falta tampoco la ironía en una canción como "El Futuro Del Presidente", quizá la más cercana al espíritu punk de todo el álbum junto a "Terco Como Un Mulo Viejo", en la que colabora en las voces Josu Korkostegi de Parabellum y Macarrada.

Si te gusta el pop rock potente de ritmos directos y sin estridencias Narcoiris es un trabajo más que válido para añadir a tu colección. No destacan por nada concreto, pero el producto final de El Cuarto Verde en este disco es efectivo y convence.

por Andrés Puente

Retro playlist febrero 2012

2012-02-10T00:04:00.000-08:00

Aquí os dejamos la nueva Retro Playlist, la que os hará disfrutar en este mes de febrero 2012:

http://open.spotify.com/user/adriangales/playlist/0ToJi6h8sY5CLhMynVBUDA

STEREOZONE - Power (Maldito Digital, 2012)

2012-02-10T00:03:00.000-08:00

Nada mejor a la hora de crear un sonido propio que fijarse en los mejores. Supongo que esto es algo que pensaría el cuarteto Stereozone cuando llegó el momento de definirse musicalmente. Así, podríamos describir el contenido de su nuevo álbum, Power, como una amalgama estilística de varios de los más destacados nombres del rock de las últimas décadas.

Principalmente tres bandas me vienen a la cabeza cuando escucho este disco, y estos son, por orden de importancia, Queens Of The Stone Age, Tool y Pantera. Lo cierto es que el CD comienza realmente bien con el más que logrado "Gotta Kill It" (del cual existe un videoclip oficial), aunque lamentablemente a medida que van sucediéndose los temas esta sensación se va diluyendo merced a la repetición de esquemas. Concedámosles, por supuesto, el buen tino que tienen al salirse en determinadas ocasiones del patrón (me refiero a temas como el metalcoriano "Ultraviolence Ray" y al stoneriano "End Of Times", por ejemplo), pero el poso que va quedando mientras los minutos se van sumando en el reproductor es esa incómoda idea de "¿esto no lo he escuchado hace un rato ya?". Quizá parte de la culpa de esto la tiene el querer incluir doce temas en Power cuando cabe la posibilidad de que la fórmula no dé para más de ocho.

No hay tiempo para demasiadas florituras en este disco, lo cual es por una parte positivo porque permite a Stereozone atacar directamente a la médula del oyente con sus marcados riffs de guitarra y sus melodías sin complicaciones, pero juega en su contra cuando se trata de mantener la atención tras escuchar varios temas seguidos. Power termina, por tanto, convertido en un artefacto sonoro que gustará a seguidores de los últimos Uzzhuaïa que no tengan problemas en añadir elementos metálicos a sus sesiones de audición.

por Andrés Puente

“Gold On The Ceiling” de The Black Keys

2012-02-10T00:00:00.002-08:00

El setlist 2012 de los irlandeses Thin Lizzy

2012-02-10T00:00:00.001-08:00

A sólo un día para poder disfrutar del show de Thin Lizzy en la madrileña sala La Riviera, Renacer Eléctrico os ofrece un setlist aproximado de lo que sonará en dicho espectáculo:

1. Are You Ready
2. Jailbreak
3. Bad Reputation
4. Don't Believe A Word
5. Killer On The Loose
6. Dancing In The Moonlight
7. Massacre
8. Angel Of Death
9. Still In Love With You
10 .Whiskey In The Jar
11. Sha La La
12. Suicide
13. Waiting For An Alibi
14. Cowboy Song
15. The Boys Are Back In Town
16. Emerald
17. Rosalie
18. Black Rose

Y en el siguiente enlace podréis escucharlas todas: Thin Lizzy setlist 2012

ANDY TIMMONS BAND - Andy Timmons Band Plays Sgt. Pepper (Timstone Records, 2011)

2012-02-09T02:44:00.000-08:00

En 1967 se editaba Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, uno de los LPs más celebrados de The Beatles y, sin duda alguna, una de esas ediciones discográficas que cambiaron el camino del pop para siempre, enriqueciéndolo y haciéndolo crecer varios metros hacia el cielo. Desde entonces, nos son pocos los colegas músicos que, como rendidos seguidores de la banda y de este vinilo, han visitado la obra bajo su propio punto de vista, rindiendo tributo a las piezas que la componen con multitud de versiones. Ya sean los Bee Gees por medio del filme de 1978 dirigido por Michael Schultz como un desaforado Joe Cocker cantando a pleno pulmón “With A Little Help From My Friends” en el festival de Woodstock, pasando por la revisión firmada por Status Quo del “Getting Better” para el documental All This And World War II (1976) o la descacharrante vuelta de tuerca que Alvin Y Las Ardillas se sacaron de la manga en uno de sus episodios televisivos de los 80. Decenas y decenas de artistas y agrupaciones musicales se han quitado el sombrero ante tamaño ingenio.

En 2011 lo hizo Andy Timmons, ex Danger Danger y Pawn Kings, uno de los grandes exponentes del hard rock americano de los 80. Y es que no sólo ha tocado cual músico fijo en los citados proyectos, ya que también ha servido fielmente a las estrellas más dispares ejerciendo labores de instrumentista de sesión. Ahora, y firmando como Andy Timmons Band, conjunto con el que editó Resolution en 2006, graba su homenaje a la duración completa del álbum beatleiano tratado. El único añadido Beatle que no pertenece al disco en cuestión, y que Timmons se permite incluir al final de su CD, es “Strawberry Fields Forever”, tonada cuyo original editaron en el Reino Unido los Fab Four bajo Parlophone el mes de febrero de 1967.

El resultado es un trabajo de rock eléctrico instrumental que intenta ajustarse a lo escrito por los de Liverpool, saliéndose muy poco de la cuadrícula. Eso sí, la interpretación posee una fuerza envidiable y siempre bien medida, para así no perder de vista el horizonte que se pretende conquistar. Un regalo ideal para seguidores de Timmons y para todos aquellos que disfrutamos coleccionando material Beatle o relacionado con ellos.

por Sergio Guillén

"Lifeline" de Le Roux

2012-02-09T00:01:00.000-08:00

"Los Ciclos Brutos": Fernando Jaén acompaña su universo poético con canciones de A.L. Guillén

2012-02-09T00:00:00.000-08:00

«La capacidad del ser humano para superar cualquier trance es asombrosa. Desde que nacemos, nos enfrentamos a retos y desgracias: pero una y otra vez, volvemos a levantarnos. Pero a partir de entonces, no somos la misma persona». Con estas frases comienza el prólogo que Miguel Ángel del Arco Blanco escribió en Granada el pasado noviembre de 2011 para el libro de poemas Los Ciclos Brutos (Editorial La Vela), ese éxodo desordenado en el tiempo.

Fernando Jaén Águila, médico y poeta, es el autor de esta obra, un trabajo que ha decidido compartir con otro artista inquieto, el músico y compositor A.L. Guillén. El miembro de Sefronia y de los instrumentales Les Rauchen Verboten ofrece el CD Aprojimación A Tu Ciclo cual banda sonora o extensión del núcleo poético concebido por Jaén. En el texto de la contraportada de la edición se dice de las canciones que viajan por este camino que atesoran la virtud de lucirse “secas, directas y urgentes”.

Una amistad llevada al trabajo en equipo, a un proyecto por estaciones, por cambios climáticos de interior, de lo privado. Y es que, como escribe Fernando en “Nuevo Adán”, «algunas veces la primavera se adelanta unas horas».

Repaso videográfico a la carrera de Rose Tattoo

2012-02-08T03:30:00.000-08:00

Bad Boy For Love

Rock ‘N’ Roll Outlaw

Nice Boys

Assault & Battery

Scarred For Life

We Can’t Be Beaten

Juice On The Loose

I Wish

Black Eyed Bruiser

Man About Town

Discos Para Inquietos nº 29 (13 de octubre de 2010)

2012-02-08T01:52:00.001-08:00

The World's On Fire (The Housemartins)
Back On The Move (Fernando Rubio)
I Know What I Know (Paul Simon)
Larks' Tongues In Aspic Part III (King Crimson)
Bathroom Wall (Faster Pussycat)
Love Is The Drug (Grace Jones)
Noche Tras Noche (Solera)
Games People Play (The Alan Parsons Project)
Checan (Black Sugar)
Run Across The Desert Sands (Steve Stevens)
Harm’s Way (Spock’s Beard)
Caballos Negros (Babylon Chàt)
Are You Ready? (Johnny Clegg & Savuka)
Can Can (Can)
Cornbread Mafia (Molly Hatchet)
People Are Strange (Jóvenes Ocultos OST)

Escúchalo aquí:

O descárgalo en:
http://venusbitestheproject.podomatic.com/entry/2012-02-08T01_15_29-08_00

Nuevo CD de Xuorum para marzo

2012-02-08T00:26:00.000-08:00

El 13 de marzo los vitorianos Xuorum lanzarán su tercer disco a través de Gaser Records. Su progresión se ha notado a lo largo de los años; sacaron Una Noche Más en 2004 y X-tragos en 2008. En 2012, y celebrando el décimo aniversario de la banda, se presentan con el disco definitivo: Siempre Hay Un Sentido.

"Sin Compasión" de Santa

2012-02-08T00:01:00.000-08:00

Aggression publican "Viocracy" y ya tienen gira nacional en marcha

2012-02-08T00:00:00.000-08:00

Aggression nació en Barcelona durante el mes de noviembre del 2005. Los miembros fundadores fueron Pol Luengo (voz y guitarra) y Sergio Soto (bajista); meses después la formación se cerró con Oscar Reka a la guitarra y Sergio García (batería), en lo que suponía una formación compuesta por músicos de entre 16 y 20 años de edad.

Durante 2010 la banda sufrió cambios significativos de formación. En julio de dicho año Sergio Soto deja la banda y es reemplazado por el prodigioso bajista Carlos Leonardo. En septiembre de ese mismo año, Sergio García es reemplazado por el increíble y joven batería José Rosendo, llevando el nivel instrumental de la banda a un peldaño superior nunca visto antes en su historia.

Más de un año después, Aggression publica su mejor trabajo hasta la fecha, su segundo larga duración, que lleva por título Viocracy (un juego de palabras que mezcla “violencia” y “democracia”). Un disco que mezcla asuntos como la política, la economía y la reseña social. En términos musicales Viocracy es mucho más maduro y técnico, con sorprendentes influencias de estilos como jazz, rock progresivo o blues, pero siempre con la clásica influencia thrash metal. La portada de este disco ha corrido a cargo de Eliran Kantor (Sodom, Testament) y ha sido mezclado por Jens Bogren (Opeth, Symphony X, Amon Amarth) en los Fascination Street Studios (Orebo, Suecia).

Viocracy está disponible desde el día 1 de febrero del 2012.

Tracklist selecto de los CDs reseñados el mes de enero 2012

2012-02-06T00:03:00.000-08:00

Recopilando en canciones lo analizado en Renacer Eléctrico durante este finalizado mes de enero de 2012, hemos realizado la siguiente lista musical con lo que se puede encontrar de lo tratado en Spotify:

En Etsi Valtaa Loistoa – Tarja Turunen & Harus (Live At Sibelius Hall)
Take Me There – Scratch Massive (Nuit De Rêve)
One More Day – Royal Hunt (Show Me How To Live)
The Rain – Work Of Art (In Progress)
Heart Of The Sunrise – Yes (In The Present)
The New Revolution Is Not There – Homo Demen (Surrealist Revolution)
Can’t Turn Your Back – 9 Chambers (9 Chambers)
I Still Want You – Hank Shizzoe (Live At The Blue Rose Christmas Party 2010)
Mortal Games – Ever Dream (The Darkest Time)
My Pop – Slove (Le Danse)

ABSENTE H - Vagalume (Musea, 2011)

2012-02-06T00:02:00.000-08:00

Absente H saltan a la palestra con Vagalume, su álbum debut. La formación española nos presenta su estreno a través de diez composiciones que ya habían recorrido los escenarios desde que el grupo se formó en 2005 y donde se pueden apreciar notables influencias del progresivo sinfónico más clásico arraigado en los años 70.

Escribir sobre el esfuerzo ajeno siempre es problemático, y más tratándose de un álbum debut. Ser condescendiente o paternalista también comporta sus riesgos, además de ser deshonesto. Si tuviese que definir este álbum en tan sólo una palabra, diría “verde”. Verde no es malo ni flojo, ni siquiera aburrido o poco interesante, verde quiere decir pronto; verde quiere decir tiempo. Tiempo es lo que le falta a este grupo y a esta música; afloran las ideas, afloran las agudas intenciones, fallan los medios para conseguirlas. Falta asentar el estilo, falta encontrar fluidez en las composiciones. Se agradece la diversidad instrumental, el toque folk ocasional de la flauta y las invitaciones cromáticas del violín, pero resultan dispersas y poco integradas.

La mayoría de los temas, salvo quizás “Áurea” y “Vagalume y La Luna”, cuentan con una presencia melódica algo plana, casi siempre recaída sobre la voz, que se mueve con bastante frecuencia en un registro alto y con notas sostenidas. Temas como “Línea Finita 1ª Parte» lo agradecen, pero el grueso del álbum se resiente en un constante acompañar la voz, que si bien puede que sea el objetivo premeditado del grupo, no alcanza a ser suficiente como para sostener el álbum entero. El handicap añadido a esto: poner en primer plano las letras. Éstas buscan la profundidad y la emoción pero topan con el obstáculo de su explicitud y ausencia poética y metafórica, hallando muchas veces frases forzadas o lugares comunes («el calor de tu mirar emanaba brillantez» o «cuando el albor del invierno tiña mis cabellos»).

No obstante, es claro que este grupo tiene mucho que ofrecer y que puede hacerlo. En cualquier caso, es sólo una cuestión de tiempo. Tiempo y trabajo. Cuando el verde se vaya seguiremos estando aquí para sentarnos y escuchar lo nuevo de Absente H.

por José Luis Vila

"Quién Se Apunta" de Dúo Kie

2012-02-06T00:01:00.000-08:00

ARKGABRIEL - Arkgabriel (Ark Records / Top Artist Promotion, 2012)

2012-02-06T00:00:00.000-08:00

Hubo una época en la que el power metal español gozó de cierto auge gracias a los primeros discos de grupos como Avalanch, Ankhara, Tierra Santa o WarCry. De aquel reverdecer poco queda ya, aunque todavía nacen bandas ilusionadas por volver a aquellos años. Entre ellas, el quinteto madrileño Arkgabriel, que debuta con este LP homónimo.

Este es un álbum de muchas buenas intenciones aunque escasas realidades constatadas. Es decir, que no está mal para ser un primer disco pero todavía muestra de manera clara el escaso bagaje creativo de estos cinco músicos. El enfoque de Arkgabriel recae de una manera u otra dentro de los estilos practicados por los nombres citados en el primer párrafo, haciendo un especial hincapié en la escena power metalera europea. No sólo rondan por momentos a Helloween o Stratovarius, sino que también se plantan en ocasiones en las tesituras de grupos italianos como Labyrinth o Vision Divine. El problema es que, aunque logran redondear varias canciones pegadizas y efectivas ("Navegante", "Acróbata" o "¿Hay Alguien Ahí?", que supongo no por casualidad son los tres primeros temas del CD), trasciende demasiado que este es un disco de debut, ya que en bastantes ocasiones se echa en falta una mayor variedad o complejidad en lo que a riffs o punteos de guitarra se refiere, algo que debería constituir la columna vertebral de todo grupo de power metal. Digno de mención también es el hecho de que los teclados desempeñan una función importante dentro de este Arkgabriel.

El sonido logrado en la mezcla y producción, por otra parte, es más que adecuado para una banda como Arkgabriel y poco hay que objetar en este aspecto. Más aún, la presentación del disco en lo que a artwork y caja se refiere, es ciertamente profesional y además incluye como bonus tracks un par de temas del año 2009. Habrá que esperar todavía a la confirmación, y sólo el tiempo transformará la ilusión en realidades palpables.

por Andrés Puente

BEGGARS & THIEVES - We Are The Brokenhearted (Frontiers Records, 2011)

2012-02-03T04:47:00.000-08:00

Lo nuevo de Beggars & Thieves posee un estilo y unas marcadas cadencias que separan la obra de este conjunto norteamericano del adult oriented rock que, casi como talento innato, se gestó y desarrolló en su país desde finales de los años 70. Ellos, músicos que pusieron en escena esta banda gracias a la publicación de un disco homónimo en 1990, pronto se verían partiendo peras. Phil Soussan y Bobby Borg, espina dorsal rítmica sobre la que se asentaba su definido estilo, buscaron nuevos horizontes. El resto siguió tirando del carro con más pena que gloria. Los 90 les verían desaparecer tras dos nuevos redondos de impecable factura tomados en estudio, uno fechado en 1997 y el otro en el 99. Lástima.

We Are The Brokenhearted les recoge maduros... y no estoy utilizando una frase hecha para este tipo de ocasiones o simplemente manida por el uso. Lo cierto es que Beggars & Thieves no pretenden transitar por los minutos de su obra con la alegría y ese ambiente de deliciosa inocencia –pergeñado con conocimiento y buscando el resultado concreto, todo sea dicho– que otros puntales del movimiento inyectan. Las canciones aquí halladas contienen un poso de amargura y hasta de introspección, aunque el ritmo instrumental de sus estribillos parezca querer ocultarlo a fuerza de mantener en marcha la máquina.

Rock melódico con otras miras, a veces casi entre los últimos Bon Jovi, unos descafeinados Thunder y el peso del riff yanqui mayor de edad. En distinto camino pero sin olvidar aquel Beggars & Thieves que les convirtió en conjunto de culto.

por Sergio Guillén

Renacer recomienda... "Clannad" de Clannad

2012-02-03T00:14:00.000-08:00

Grupo:

Clannad

Disco:

Clannad

Año:

1973

Sello:

Philips

Formación:

Máire Ní Bhraonáin - Voz y arpa.
Ciarán Ó Braonáin - Bajo, teclados, guitarra y voz.
Pól Ó Braonáin - Flauta, guitarra, percusión y voz.
Noel Ó Dúgáin - Guitarra y voz.
Pádraig Ó Dúgáin - Guitarra, mandolina y voz.

Tracklist:

1. Níl Sé Ina Lá (Níl Sé’n Lá)
2. Thíos Cois Na Trá Domh
3. Brian Boru’s March
4. Siúbhán Ní Dhuibhir
5. An Mhaighdean Mhara
6. Liza
7. An Toileán Úr
8. Mrs. McDermott
9. The Pretty Maid
10. An Pháirc
11. Harvest Home
12. Morning Dew

Pincha aquí y escucha en Spotify el disco Clannad

"Semillas De Rosario" de Dark la eMe con La Bandina

2012-02-03T00:01:00.000-08:00

Portadas para el recuerdo: TYGERS OF PAN TANG - Crazy Nights (1981)

2012-02-03T00:00:00.000-08:00

Autor: Rodney Matthews

Making of de la grabación del primer disco de No Konforme "La Primera En La Frente"

2012-02-02T00:57:00.001-08:00

"Sin Dinero" de Charol

2012-02-02T00:01:00.000-08:00

UFO. Noches de rock y objetos volantes no identificados

2012-02-02T00:00:00.001-08:00

Con los músicos a los que les tienes un afecto especial suele pasar que te gusta verles con sus grupos más clásicos rememorando aquellos himnos que hicieron de este género una música universal. El caso de Michael Schenker es muy curioso. Muchos fanáticos de los alemanes Scorpions siguen recordando a los hermanos Schenker en aquella primera etapa en la banda. Sí es cierto que en 1972, año en el que se publicaba aquel Lonesome Crow, Michael militaba en las filas de los escorpiones germanos; pero no hay que olvidar que no fue en este combo donde el mástil definió su estilo. Para hablar de su verdadero hogar dentro del rock tenemos que referirnos a una de las instituciones inglesas de esta corriente en los setenta: los UFO. En 1974 se sucedería una consecución de cambios en este grupo que darían fin, como guinda perfecta, con la entrada del guitarra de oro. Phenomenon fue el bautismo de fuego, discográficamente hablando, de Schenker en los UFO. Aunque no nos confundamos, Michael dio un sonido característico al proyecto, pero también recordemos que el resto de los muchachos no se quedaban cortos. Phil Mogg era considerado en aquella época como una de las grandes voces rockeras de la escena y el bajista Pete Way ha sido ídolo indiscutible para gente tan “desconocida” como Steve Harris o Rick Savage. Pero si alguna vez este objeto volante tocó el cielo fue en su gira de 1977 por los Estados Unidos, y más concretamente en su doble directo que recogía esos bolos y que se publicó bajo el nombre de Strangers In The Night.

«Hello Chicago... please, welcome from England... U... F... O...». Sí, estás son las mágicas palabras con las que el presentador del evento se desgañitaba presentando a los chicos de Phil Mogg en aquella noche de buen rock. La canción con la que da comienzo no es otra que “Hot & Ready”. Ya sé que esa no aparece en vuestro disco, tengo claro que en las nuevas reediciones se incluye como bonus track al igual que “Cherry” pero, ¿cómo saltarnos dos joyitas tan valoradas por los seguidores del grupo? Además es curioso el fijarse en esa primera “Hot & Ready”, pues no usan el típico corte rápido y demoledor, ese que calienta en pocos segundos a una audiencia deseosa de emociones fuertes. El quinteto empieza con una pieza fiestera y bailona, no quieren que el público estalle demasiado pronto, prefieren ir calentándolo poco a poco. “Cherry” es como una máscara que cubre a una banda guitarrera, directa. La pausada voz de Phil canta las primeras estrofas para acabar quitándose el antifaz en los estribillos. Aunque eso no es nada, ya que cuando atacan “Let It Roll” te das cuenta de que el tren se ha puesto en marcha y va ser difícil que alguien lo detenga. El doble bombo de Andy Parker, un batería que nunca ha tenido el reconocimiento que se merece, aplana el camino mientras Pete Way dispara ondas mortíferas con su gigantesco bajo. Los pasajes intermedios son una delicia que llega de las manos tanto de Schenker como de Paul Raymond, creando unos dobletes realmente inspirados.

Y en la cuarta tonada ya nos damos de bruces con la balada por antonomasia, con el baladón con mayúsculas: “Love To Love”. La composición no es otra cosa que una constante sucesión de progresiones sonoras que son aderezadas por el feeling de la garganta de Phil Mogg. Paul Raymond ejerce, en esta ocasión, un magnífico trabajo frente a las teclas. Pero llega el momento de ser naturales, de entregarse al riff puro y duro, de soltar a la fiera que llevamos todos dentro y cantar a voz en grito aquello de “Natural Thing”. Sencilla pero con un cambio muy marchoso en sus estribillos, despojándola un poco de su dureza y entregándonos al baile frenético. “Out In The Streets” dará paso a “Only You Can Rock Me”. ¿Quién no ha cantado alguna vez ese pegadizo estribillo paradigma de la canción comercial por excelencia? Esta cancioncilla es para los UFO lo que en su día aquel “Foolish Heart” para los grandiosos Magnum. La Gibson “Flying V” de Michael suena entrecortada, como si las notas palpitaran como los latidos de un corazón salvaje. Y es que “Mother Mary” vuelve a encender la llama de los ingleses y de su sonido atronador, aunque “This Kids” toma perfectamente el relevo con una estructura bastante similar a la de su antecesora; tal vez tendrían que haberlas separado un poco, consiguiendo así un efecto más eficaz en la audiencia.

Bueno, queridos pacientes, ya hemos llegado, la próxima puerta es la de la consulta del doctor. “Doctor Doctor” materializa la visita obligada a un matasanos que no pasa consulta por la Seguridad Social, un médico que cura con dosis de rock fresco y vitaminado. Cuando termina “I’m a Loser” llegan las cuatro últimas andanadas que despiden a unos músicos que se han sabido dejar la piel sobre las tablas. Pero, ¡menudos cañonazos!: “Lights Out”, “Rock Bottom” –con solos indispensables al viejo estilo de los 70–, “Too Hot To Handle” y “Shoot Shoot”. De las cuatro resaltaría uno de esos momentos que hacen que se te ponga la carne de gallina. En “Lights Out” Phil decide congraciarse con su público cambiando aquello de “Lights out, lights out in London...” por el nombre de Chicago. Pronunciar “Lights out Chicago” y explotar las gradas en un chillido ensordecedor, es todo uno. Sólo se echa en falta alguna de sus versiones del gran maestro del rock and roll Eddie Cochran, del cual hacían maravillosamente aquel “C´mon Everybody”.

El estilo mágico de estos ingleses ha seguido dando sus frutos hasta nuestros días, tras pasar por etapas más comerciales con el señorito Paul Chapman y tras reinventarse con aquel regreso momentáneo de Michael Schenker. Pero a mi me gusta seguir pinchando aquellos clásicos como Force It, Lights Out o este Strangers In The Night y así recordarles como en una imagen por la que no pasa el tiempo, como esa fotografía que te trae a la cabeza sensaciones que creías olvidadas. ¿Cualquier tiempo pasado fue mejor? No siempre, pero muchas veces se les echa de menos.

por Sergio Guillén